2008

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Entre la tradición y la vanguardia

Por Pacho

 

Al conceptualizar la plataforma de Poesía en Voz Alta en 2005, intentábamos provocar un diálogo generacional desde las tradiciones literarias iberoamericanas hacia formas poéticas emergentes, aún desconocidas en nuestro país, vinculando a escritores mexicanos reconocidos con poetas de distintos hemisferios lingüísticos y campos culturales, sin excluir a los poetas de distintas tradiciones orales populares como los decimistas jarochos, los repentistas caribeños y los poetas indígenas.

 

Buscábamos crear una plataforma que respondiera al ascendente interés de los jóvenes por explorar el lenguaje y la escritura en relación al sonido, el ritmo y las posibilidades escénicas directas; un interés propiciado en parte por la emergencia de las nuevas tecnologías. Con ello intentábamos romper el aislamiento de diversas disciplinas, principalmente de la poesía ensimismada en la soledad del texto.

 

Otra de las ideas fundacionales de Poesía en Voz Alta consistía en presentar a los poetas en su idioma original, imprimiendo un programa de mano con traducciones al español de los poemas de cada sesión, con miras a no interrumpir la experiencia escénica y sí, en cambio, acentuar el valor insustituible del sonido de cada idioma.

 

Uno de nuestros puntos de partida asumía que los probables cambios en los paradigmas librescos y literarios (muy al estilo de lo revisado por Michel Melot en el artículo “¿Y cómo va la muerte del libro?” *), han permitido la equiparación de “lo más antiguo” con lo “hipermoderno”. En otras palabras, identificábamos que el interés actual por la poesía y la literatura a partir de lo visual y sonoro, tiende a plasmarse en montajes escénicos o en la pantalla virtual, refuncionalizando así el origen oral de la literatura.

Y en efecto, los diversos soportes tecnológicos de texto que han existido a lo largo de la historia son determinantes de la experiencia de lectura. Para el poeta uruguayo Luis Bravo es evidente que la forma en que se imprimen y se leen los textos incide en la resonancia de su significación. Así lo confirma el paso de los rollos de la antigüedad a un nuevo formato hacia el siglo IV d.c., con los códices, luego a la impresión mecánica de la imprenta a partir de 1450, y ahora del libro impreso a la estructura electrónica.

 

Bravo evoca el origen oral de la poesía y considera que al leer hoy a Estesícoro, Píndaro, Safo, Anacreonte, sólo estamos ante un testimonio parcial de lo que fue la dimensión multimedial, de tales composiciones orales.

Como otros pro-oralistas, Bravo subraya que incluso hoy “en las Américas, Asia y África aún son muchas las culturas ágrafas que mantienen su identidad cultural mediante ‘textos orales’. Y es allí cuando el término ‘literatura’ empieza a quedar pequeño, pues restringe su espectro a la littera (escritura)”.**

Las vanguardias de principio de siglo XX parecieron abrir la puerta a la recuperación de la palabra en su aspecto “preformativo”. Puerta que en el siglo XXI se ha traspasado completamente gracias a la expansión de las nuevas tecnologías, cada vez más accesibles. Luis Bravo (que nos visitó el año pasado) recapitula el proceso de la herencia transdisciplinaria vanguardista en las siguientes líneas:

“Las prácticas de hibridación y de interdisciplinariedad no recomenzaron con la era electrónica sino con las vanguardias de inicios del siglo XX. Según McLuhan la escritura desplazó un modo de civilización predominantemente oral, y fomentó paulatinamente la preponderancia del sentido visual, afectando incluso las concepciones del tiempo y del espacio hasta hacerlos lineales: El pensamiento abandonó su lado mágico para hacerse lógico, discursivo y así el argumento predominó sobre la metáfora. En cambio, los cubistas, con Guillaume Apollinaire a la cabeza, los futuristas italianos y rusos, los más radicales dadaístas, así como el Creacionismo huidobriano, experimentaron una poesía que integró lo gráfico, lo sonoro, lo visual y la gestualidad declamatoria. A su vez el Futurismo radicalizó la noción simbolista de la sinestesia (cual viaje asociativo), proponiendo la idea del simultaneísmo, integrando diferentes lenguajes artísticos a un mismo objeto poético, provocando un quiebre que desafió al canon de las bellas artes. Estas aperturas han atravesado el siglo XX incidiendo en autores tan relevantes como John Cage, quien con los Mesósticos transforma el uso de la forma gráfica de las letras en partitura para la recitación fonética… En este sentido bien puede decirse que las vanguardias zanjaron la brecha existente entre lo oral y lo escrito, trasvasando códigos de un lado a otro del espectro expresivo, generando nuevos abordajes y autonomías en los lenguajes artísticos”.

En este 2008 Poesía en Voz Alta es ya un vértice de diversas herencias vigentes, una plataforma donde confluyen múltiples tradiciones poéticas en varios idiomas, en una muy bienvenida pluralidad de estilos y voces con los que la actual poesía explora lo transdisciplinario, reuniendo a la palabra con otros lenguajes artísticos de manera integral, como lo hizo desde sus más antiguos orígenes.

Durante las tres ediciones anteriores, hemos presentado a poetas de distintas corrientes y países como Estados Unidos, Gran Bretaña, Bélgica, España, Japón, Chile, Argentina, Uruguay, Paraguay, Perú, Belice, Cuba y México. Algunos ejemplos: Quincy Troupe (jazz poetry), Amiri Baraka (poeta beat), Umar Bin Hassan (de los Last Poets), Adrián Arancibia (del colectivo Taco Shop Poets, caracterizado por ofrecer lecturas de poesía en taquerías de California) y Linton Kwesi Jonhson (dub poetry).

De Iberoamerica, el brasileño Arnaldo Antunes recurrió a secuencias, loops, y proyecciones, mientras que Juan Gelmán y el bandoneonista César Stroscio ofrecieron, en exclusiva para el mundo, una sesión insólita de lo que llamaron poesía/tango. El catalán Carlos Ann montó un homenaje a Leopoldo María Panero (quien ha pasado gran parte de su vida recluido en un manicomio). Y, desde luego, se han presentado diversos poetas indígenas: Mardonio Carballo, Natalia Toledo, Briceida Cuevas, entre tantos otros.

En su cuarto año, inmersos en esta dinámica era cibernética, con soportes tecnológicos que, creativamente utilizados abren nuevas perspectivas estéticas, nos interesa traer hasta aquí lo que hacen hoy los poetas en diferentes rincones del mundo, no sólo para ponernos “al día” sino para que “el futuro” se haga aquí presente, tal y como acaso lo concibieron los poetas que engendraron Poesía en Voz Alta, allá en los años cincuenta y sesenta...

Monica Maristain

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Mónica Maristain, poeta y periodista. Nació en Concepción del Uruguay, provincia de Entre Ríos, Argentina. Hija de albañil y de mujer de ojos turquesa. Aprendió a leer juntando las letras de los titulares del diario Crónica, a edad muy temprana. Cuando era niña lloraba si perdía River, atrapaba bichitos de luz en las noches y comía moras negras a escondidas de sus padres. En su primer poema usó la palabra sacrilegio, cuyo significado todavía desconoce. Lee a Montale, a Eliot y a Pessoa sólo para saberse minúscula. Escribe a causa de una fatalidad que muchas veces le resulta inverosímil. Si no fuera por la música, no la salva ni Tarzán.

Juan Pablo Villa

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Juan Pablo Villa es músico, compositor y cantante. Su más reciente trabajo es una búsqueda personal de múltiples posibilidades sonoras a través de la voz, un proyecto al que ha titulado La Gruta de Baba, espectáculo vocal de improvisación libre que se sustenta en la investigación práctica y continua de diversas manifestaciones vocales de México y el mundo, y cuyas herramientas de interpretación explora técnicas contemporáneas no convencionales. Villa busca la voz encontrada en el entorno, en el país, en el mundo o resonando en el cuerpo. A cada hecho terrible sobreviene una luz, la angustia, un respiro, la guerra, la voz, el grito, el silencio.

También ha trabajado como compositor e intérprete en proyectos de otras disciplinas, entre los que destacan los cortometrajes Refugio... de aquí a ninguna parte, de Paulo Riqué (nominado a mejor música original Pantalla de Cristal 2000), Sangre Circular, Interior 19 y Peces de asfalto, de Rafael Rangel (2007). También hizo la música para la coreografía El hombre que sólo sabía amar, de Vicente Silva, y el montaje El miedo insuperable, de Harif Ovalle.

Desde 2007 se ha presentado en diferentes foros de México y España con Vientos y Lugares, un proyecto integrado por músicos de ambos países. Su discografía incluye: Toricántaros (1999), Juan Pablo Villa (2001), Mitologías (2002), Ya y Li (2004), Un pájaro en el alambre (2000) y La gruta de baba (2007).

Son de Madera

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Aagrupación de son jarocho fundada en 1992 por Ramón Gutiérrez y Laura Rebolloso.

Ramón Gutiérrez inició el aprendizaje del son jarocho tradicional desde niño ya que sus abuelos cultivaron esta tradición, a través de distintos maestros como Don Andrés Vega, Don Esteban Utrera, Don Chico Hernández, entre otros viejos jaraneros. Ramón ha retomado estas formas tradicionales de la sabiduría popular, generando un estilo personal de la ejecución de la guitarra de son, instrumento punteado con un plectro, que hace melodías y ostinatos rítmicos sincopados.

Laura Rebolloso aprendió desde niña (con los maestros Guillermo Contreras, Gonzalo Camacho y Don Julián Cruz) la música y danza del son jarocho. Participa actualmente como invitada del grupo en la ejecución de la leona, el canto y la poesía.

 

En 1999 se integró a la agrupación Tereso Vega, jaranero y cantador, nacido en una familia con estirpe de músicos, bailadores y cantadores, su abuelo y su padre son importantes exponentes del son jarocho, viven en el campo y combinan la agricultura con el son jarocho.

 

En 2004 Juan Pérez, de Los Ángeles, California, se integró a Son de Madera aportando al grupo la ejecución del contrabajo y su compromiso sonoro con la música tradicional mexicana. El trabajo de Son de madera se resume en el cultivo de la música, el zapateado y la poesía tradicional. El grupo ha tratado de cultivar este género desde lo profundo del conocimiento antiguo, hasta la creatividad y la realidad de cada uno de los músicos que participan. También realiza composiciones basadas en las formas tradicionales.

Ramón Gutiérrez además de director musical de esta agrupación es laudero y construye todos los instrumentos que ejecuta el grupo, tiene un taller llamado "El pájaro carpintero", donde restaura y elabora jaranas, guitarras de son, leonas y otros instrumentos de su creación, como "el cinco zapotero". Los instrumentos que interpretan son: guitarra de son, mandolina, jaranas, armónica, pandero, quijada de burro, leona, tarimas de zapateado y contrabajo.

Ramón Gutiérrez y Laura Rebolloso imparten talleres de son jarocho en escuelas, centros culturales y en la facultad de danza en la universidad veracruzana.

Son de madera ha grabado cuatro discos compactos y se ha presentado en distintos foros de Canadá, Estados Unidos, México, Cuba, España, Francia, Holanda, y Marruecos.

Bruno Galindo

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Bruno Galindo es escritor, periodista y artista. Vive entre Madrid, Berlín y México. Ha sido acreditado como uno de los revitalizadores de la escena de la poesía escénica y el spoken word en España. Ha participado en el proyecto de rock y electrónica de vanguardia “Homenaje a Leopoldo María Panero”, dedicado al mítico poeta español. Este álbum, grabado junto a Bunbury, Carlos Ann y José María Ponce, ha inspirado la película “Una noche con Panero”, que captura la actuación de todos ellos con el poeta. Junto con el creador electrónico español Strand, ha escrito y representado “Nushu”, un recital de spoken word y espectáculo visual que remite al desaparecido idioma chino. También ha representado en múltiples ocasiones “Electrospoken”, heterodoxa experiencia como ‘textjockey’ (DJ de palabras).

En los últimos años ha aparecido en escenarios en España y América con diferentes músicos, escritores, artistas plásticos y de performance para interpretar sus textos en recitales de alta intensidad. Ha teloneado y compartido convocatorias musicales y literarias con Blixa Bargeld, Julian Cope, Arto Lindsay, Linton Kwesi Johnson, Amiri Baraka, John Giorno, Dennis Rollins o Hanif Kureishi. Ha actuado en ‘Palabra y Música’, ‘Experimentaclub’, ‘Cosmopoética’, ‘La Noche en Blanco’, ‘Kosmópolis’, ‘Sónar’, ‘FIB’, ‘Festimad’, ‘Festival en Deià’, ‘FIL-Guadalajara’, ‘Rock en Ñ’, Feria del Libro de Caracas, ‘Territorios’, WOMAD, ‘La Mar de Músicas’, ‘Territorio Eléctrico’ y ‘Poesía En Voz Alta’, entre otras.

En los últimos meses ha colaborado con Nacho Vegas (“Cosas que preferirías no escuchar”), con Carlos Ann y Mariona Aupi (“Disco 2008”), con el mexicano Rey Trueno y su Orquesta (“El regreso del pájaro estóico”), con la leyenda del tropicalismo brasileño Tom Zé (con quien aparecerá en la película “Tom Zé, astronauta liberado”, con el pianista y experimentador Xavier Losada (“Ambulancia estrellada”), con el artista silencioso Tres (“En el Matadero”).

Su bibliografía comprende su original trabajo afropoético “África Equilátera” (“Lunas Hienas”, “África para Sociedades Secretas” (Premio Rafael Pérez Estrada) y “Duna 45”). La trilogía captura un extraño e intenso viaje africano de tres años en el que recorrió físicamente un triángulo equilátero exacto. Su libro “Vasos comunicantes” recopila 510 páginas de conversación acerca del proceso de composición con músicos de la talla de Prince, John Lee Hooker, David Bowie, Elvis Costello, Perry Farrell, Angelo Badalamenti, Howie B, Arnaldo D. Baptista (Os Mutantes), David Byrne, Iggy Pop, Björk, Michael Franti, Curtis Mayfield, Trilok Gurtu, Khaled, Bill Laswell, Ali Farka Toure o Bono, por nombrar unos pocos. Su trabajo de 2007, “Diario de Corea” (Debate/Random House), narra su aterradora experiencia en Corea del Norte y sus viajes por la península asiática. Historias cortas, cuentos, entrevistas y otros textos suyos han sido recogidos en libros colectivos como “Ciudadan@s de Babel” y en revistas como ‘Eñe’ o la prestigiosa ‘Granta’.

Fuera de estos trabajos, ha comisariado recientemente la exposición internacional y convocatoria abierta en internet Culturas2008, donde ha reunido piezas de Brian Eno, DJ Spooky, Talvin Singh, Yan Jun, Sierra Leone’s Refugee AllStars, Nortec Collective, Kevin Johansen y Arnaldo Antunes. También ha desarrollado un trabajo periodístico en El País (donde ha trabajado en el área de música y coordinado suplementos), Rolling Stone, Inrockuptibles, Cultura(s) de La Vanguardia, Vogue, GQ, Rock de Lux, Matador, Zona de Obras, etc.

Michel Abdollahi

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Michel Abdollahi es un activo slamer poet y literato en Hamburgo, Alemania. Nació el 20 de abril de 1981 en Teherán y vive desde hace más de 20 años en Hamburgo Hace más de siete años participa activamente en la escena del slam poetry alemán.

En 2001 fue participante y co-organizador del 5 German Interantional Poetry Slam, donde quedó en segundo lugar con el equipo de Hamburgo. A éste le siguieron numerosos premios en slams, regionales y trasnacionales.

Desde junio del 2005, junto con su compañero de equipo, Jan-Oliver Lange, organiza en los cines Zeise de Hamburgo el programa escénico “Kampf der Künste” (“Lucha de las Artes”). Éste abarca además de literatura, cine y canto, y teniendo al Deutsches Schauspielhaus como escenario regular está encaminado a convertirse en el slam más grande de Europa, si no es que ya lo es.

El intercambio cultural y religioso es parte importante del programa. El diálogo entre Oriente y Occidente no sólo es significativo dado su origen, Abdollahi considera al arte como el eslabón que lo une a su público, por lo que cada año se llevan a cabo números especiales relacionados con acontecimientos políticos y culturales, a través de los cuales se aproxima al público con temas de actualidad, ya sean el Ramadán o el Día de las Iglesias, por ejemplo.

Abdollahi apoya los objetivos U20 del medio artístico e intelectual de Hamburgo, realiza talleres y cursos de retórica, además de fomentar de manera puntual el slam, con el fin de implantarlo como medio de integración en escuelas.

Michel Abdollahi reside y actúa desde hace más de 20 años en Hamburgo, aunque no deja de visitar regularmente su patria, con la que tiene un profundo apego. Estudió jurisprudencia en la Universidad de Hamburgo, profesión a la que se dedica en paralelo a su activismo artístico.

Lafaillette

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Poeta ‘con los pies en la tierra y la cabeza en las estrellas’, dramaturga, actriz, directora de teatro, performer y soñadora. De 1992 a 2000 Lafaillette se desempeñó como actriz en Motus et Cie, y participó en varios festivales en Nantes, Francia. En 2000 creó una Comunidad Transitoria de eSpectáculos (CTS). En ese mismo año escribió, dirigió e interpretó un performance pluridisciplinario que involucró teatro, danza, música y mimo. Co-escribió la pieza teatral Les Entrelas para una compañia de Nantes, Francia.

En 2005 creó el colectivo de teatro la Nébuleuse Compagnie. En junio de ese año montó una serie de lecturas-performance para la Compagnie l’Acte Théâtral (Compañia de Acto Teatral), en el marco del Festival Les Tombées de la Nuit, en la ciudad francesa de Rennes.

Desde 2006, a menudo participa en torneos de slam poetry en Rennes y en toda Bretaña, en Francia. Destaca su actuación en la primera edición de Tout de Rennes Slame (Todo Rennes hace Slam). Ese año escribió y dirigió sainetes de teatro forum en el marco de la Semana de Solidaridad Internacional.

En mayo de 2007 participó en el Gran Slam Nacional, torneo nacional de slam poetry, organizado por la Federación Francesa de Slam Poetry en la Región Parisina. Por otra parte, es responsable de los textos, puesta en escena e interpretación del performance poético a dos voces titulado La Rencontre (El Reencuentro), para la primera edición de los Rendez-vous de la Vieille Lande (encuentros literarios y artísticos iniciados por el Cirque Electrique (Circo elécrtico).

Este 2008, se publica en la primera antología del slam, en Rennes, Francia, L’état de droit au bonheur permanent (El Estado de derecho a la felicidad permanente), de su autoría. También participó como corista para la ópera urbana OxC [ODYSSEE], para Lieux Publics et Cie, dirigida por Pierre Sauvageot, en el marco del Festival Les Tombées de la Nuit, en Rennes, Francia. Y, por otro lado, escribió e interpretó One Lafaillette Show, en los Rendez-vous de la Vieille Lande.

Kiwao Nomura

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Kiwao Nomura

Kiwao Nomura retoma los ritmos de la lengua japonesa para dar forma estructural y musical a su poesía, la cual presenta con la colaboración del contrabajista Tetsu Saitoh, ampliamente conocido por sus improvisaciones multiétnicas avant-garde. La interacción entre ambos artistas crea un espacio acústico vibrante para la articulación poética. Los textos que se leerán en Poesía en Voz Alta.08 pertenecen a Déjà Vu Avenue, que ha sido traducida a varios idiomas.

Kiwao Nomura nació en la prefectura de Saitama, Japón, el 20 de octubre de 1951. Se graduó en Literatura Japonesa en la Universidad de Waseda. Es un poeta contemporáneo cuyas actividades abarcan la escritura de novelas, ensayos, crítica, traducción e investigación de poética comparada. Sus poemas han sido traducidos a diversos idiomas y han aparecido en el diario francés de poesía PO&SIE. Entre sus libros de poesía figuran: ‘Under the Sun without Character’ (1993), que ganó el 4to Premio Rekitei Newcomer; ‘Breeze Distribution’ (1999), que obtuvo el 30mo Premio Takami Jun, y ‘New Inspiration’ (2003), acreedor del 21avo Premio Gendaishi-Hanatsubaki. Cabe mencionar también: ‘Hanpuku Hoko (Repeated Roams), ‘Gendaishi Bunko 141 Nomura Kiwao Poetry Collection’ (1996), ‘Spectacle’ (2006), el poema largo ‘The Rainbow under the Cover of Townclothes is a Snake’ (2005), la novela ‘Mazemaze’ (2008), y las obras críticas ‘Rimbaud: Crossover Poetics’ (1993), ‘Prose Center’ (1996), ‘A 21st Century Poésie Plan’ (2001), ‘Gendai Shisaku Manual (Contemporary Poetry Writing Manual)’ (2005), y ‘Orpheus Subjects’ (2008).

A Nomura le gusta colaborar con artistas de otros géneros. Ha producido un CD de poesía, ‘UTUTU/Toward Doppo's Dwelling Site’ (1996), y dirigió las producciones del ‘Contemporary Poetry Festival 1995: Poetry's Outing’, y el ‘Contemporary Poetry Festival 1997: Dance/Poésie’. Ha fungido como director del ‘Euro-Japan Poetry Festival Tokyo 2005’, y del ‘Contemporary Poetry Festival 2007: To the Pacific Rim’. Entre las actividades internacionales de Nomura se incluyen haber sido invitado a participar en el International Poetry Festival y otros festivales de poesía, y en el International Writing Program de la Universidad de Iowa.

Tetsu Sayito

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Tetsu Sayito nació en Tokyo, Japón, el 27 de octubre de 1955.Se ha involucrado en la danza, el teatro, el teatro Butoh, las artes visuales, poesía, caligrafía, música tradicional japonesa, música de la corte, teatro Noh, música clásica y contemporánea, tango (en particular de Astor Piazzolla), jazz, música improvisada, y shamanismo coreano y asiático. Su actividad no sólo consiste en presentarse con músicos y artistas, sino también en producir proyectos, entre ellos: "Euracian Echoes", cuya misión es unir a Europa y Asia; en Corea, Singapur y Japón, "Ombak Hitam", para la inauguración del Fukuoka Asian Museum.

POEMA

デジャヴュ街道
野村喜和夫  デジャヴュ、
さながらてのひらのうえを走るように、
紙葉一枚ほどのくすんだ空の奥の、その右上あたりから、 道がひとすじ、濃くうすくあわわれ、
ちらめく蛇体のようにうねりながら、
私たちの眼のはるか下へ、たとえば立ったまま眠る
祖の腰のあたりへと伸びて― 
オルガスムス屋が行く、
神経の蟻が行く、

と、その道をよぎるべつの道たちが、
デジャヴュ、
長短さまざまにちぎれた糸屑のさまをなして浮かび上がり、
まれには、少女の脛のうえの
かすれた傷痕のような風情をみせながら、
どれも一様に陽に照らされて、
右へ左へと揺れひかるので―

神経の蟻が行く、
錆と苔が行く、

こうして全体が、
まるで地のおもてのどこかしらの、
デジャヴュ、
数知れぬ交叉路を身にまとった街道そのままに、
空のおもての鏡にでも映し出された、というように―

錆と苔が行く、
またオルガスムス屋が行く、

そうなのだ、
さらにつぶさに眺めると、
街道のところどころがわずかに捩じれていて、だからその、
いわば脇腹や背の部分までもがいっときあらわにされ、

デジャヴュ、 ためになお一層、いのちとしての街道の
息づき脈うっているのが際立たせられ―

オルガスムス屋が行く、
霊の抜けがけが行く、 かたわらには、
とりわけ脇道との付け根のあたりには、
水滴のようにこびりついた廃屋の数かぎりなく、
あるいは伸び放題の灌木の茂み、
干からびた犬の死骸らしきものも散見されて、
してみれば棄村の形跡はあきらかなのに、なぜ、なぜ
道だけが無疵のまま生々しく、
デジャヴュ、
空のおもてを縫ってなおもうねってゆくのか、
謎めいてゆくのか―

霊の抜けがけが行く、
また神経の蟻が行く、

おお、いったい何のための、
誰のための、これは通い路、
と問いかけたそのときだった、まさにそのとき、
空の奥のその街道のうえを、
ひとの痕跡を運び、
また喰らう微細な生き物の列らしき影が、
さながらひとの染色体のように
ひとしきり激しく昇り降りするのを、
なすすべもなく私たちは眼に、
デジャヴュ、
したのだった―

神経の蟻が行く、
また錆と苔が行く、

その昇降管のなかを、その昇降管のなかを―

Déjà Vu Avenue
Kiwao NOMURA

Déjà vu,
as if running along the palm of the hand,
from the depths of the dim sky, like a leaf of paper, toward the upper right,

a stretch of road appears, sometimes lit, sometimes not,
twisting like a shimmering snake,
reaching far below our eyes, where, for example, our ancestors sleep,
still standing, the road passing close to their loins―

there goes orgasm-man, there goes nerve-ant,

then, other roads crossing that road,
déjà vu,
surface like threads of uneven lengths,
at moments resembling
the fading scar on girl’s shin,
all equally lit by the same sun
shining, now to the right, now to the left―

there goes nerve-ant,
there go rust and moss,

thus, as if the whole scene,
somewhere on the earth’s surface,
déjà vu,
the avenue cloaked by innumerable crossroads,
is reflected by the mirror of the sky’s face―

there go rust and moss,
and there again orgasm-man,

of course,
looking a little closer
the avenue lightly twists at points, such that its
flank or back, let’s call it, is momentarily revealed,

déjà vu,
following which, for the avenue as a living being,
it’s clear that the breath and pulse are accelerating―

there goes orgasm-man,
there goes cunning shade,

along the edges,
especially at the branching points of the side roads,
cluster innumerable deserted houses like water drops,
and bushes growing wild,
or the dried corpses, probably of dogs,
upon reflection, these are traces of an abundant village, but why, why
only the road, unwounded and alive,
déjà vu,
snakes its way further along the surface of the sky,
embracing enigma―

there goes cunning shade,
there goes nerve-ant again,

oh, why and for whom
does this streaming road appear?
when I was about to ask that, at the same moment,
a line of apparitions,
possibly microbial creatures,
carrying human remains while feeding on them,
furiously rose and descended
on the road deep inside the sky,
which we watched,
déjà vu,
helplessly―

there goes nerve-ant,
there go rust and moss,

up through that tube, down through that tube―

Tr. Michael Palmer and Koichiro Yamauchi