2009

Índice:

La tradición nos moderniza

Por Pacho

La quinta edición del festival internacional Poesía en Voz Alta.09 conmemora los 50 años de Casa del Lago como centro cultural universitario programando actividades que revisan su memoria.

Si bien PVA.09 invoca con su nombre el espíritu de la vanguardia fundacional de la Casa del Lago, también responde a una escena que mira a un futuro cada vez más visible: el impulso de la poesía por expandirse, diversificarse y crear nuevas interconexiones transdisciplinarias, revalorando incluso aquellos ámbitos tradicionales, como la poesía popular oral, que han sido desdeñados por las convenciones literarias basadas exclusivamente en el texto. Se trata, desde luego, de una expansión y diversificación que no anula lo textual, sino que lo complementa.

A diferencia de lo que sostiene Sartori, creemos que las nuevas tecnologías asociadas a su homo videns nos enriquecen y nos permiten reinterpretar las tradiciones ancestrales como experiencias no tan ajenas a lo moderno. En otras palabras, si la poesía nace en la antigüedad como expresión oral, hoy podemos concebir que aquella oralidad remota implicaba ya una dimensión multimedial.

A lo largo de este año se discutió ampliamente en el país acerca de la supuesta muerte del libro y sobre la relación de la literatura con nuevos soportes. Una reflexión tardía si pensamos cómo nuevas generaciones han mostrado desde hace tiempo un renovado interés por la poesía y la literatura a partir de lo visual y sonoro, ofreciendo montajes escénicos o virtuales que refuncionalizan el origen oral de la literatura.

Como dice Jorge Santiago Perednik, “la experimentalidad tiene conciencia del soporte y lo pone en juego, sobre todo alterando sus modos usuales. Incluso puede utilizar el libro de manera experimental”.

Así, desde hace cinco años buscábamos crear con este Festival una plataforma que respondiera al creciente interés de los jóvenes por explorar el lenguaje y la escritura en relación al sonido, el ritmo y las posibilidades escénicas directas; un interés propiciado en parte por la emergencia de las nuevas tecnologías. Con ello intentábamos romper el aislamiento de diversas disciplinas, principalmente de la poesía ensimismada en la soledad del texto.

Poesía en Voz Alta pretende provocar un diálogo generacional desde las tradiciones literarias iberoamericanas hacia formas poéticas emergentes, aún soslayadas en nuestro país, vinculando a escritores mexicanos reconocidos con poetas de distintos hemisferios lingüísticos y campos culturales, sin excluir a los de diferentes tradiciones orales populares como los repentistas y los poetas indígenas.

En Poesía en Voz Alta conviven tradición y modernidad, alta cultura y cultura popular, lo rural y lo urbano, llegando a transgredir los géneros literarios, escénicos y visuales para conformar campos transdiciplinarios que aún no han sido bautizados. Así, nuestro programa enuncia subgéneros provisionales con la intención de describir parcialmente lo que sucede efímeramente en el escenario durante cada Festival. Este año asistiremos a sampleos poéticos, poesía acción, rezos tzotziles, rock lírico, esculturas poético-sonoras, improvisaciones vocales, poesía náhuatl, hip hop como poesía de barriada, son jarocho, spoken word, videopoesía, danza de la palabra, teatro sonoro, film poetry y poesía performática.

Otra de las ideas fundacionales de Poesía en Voz Alta consiste en presentar a los poetas en su idioma original, con miras a no interrumpir la experiencia escénica y sí, en cambio, acentuar el valor insustituible del sonido de cada idioma.

Durante las cuatro ediciones anteriores, hemos presentado a poetas de diversas corrientes. Algunos ejemplos: Quincy Troupe (jazz poetry), Amiri Baraka (poeta beat), Umar Bin Hassan (de los Last Poets), Linton Kwesi Jonhson (dub poetry), Kiwao Nomura (Japón), Accident Polipoétics (Barcelona), Arnaldo Antunes (loops, y visuales de Brasil), Gwenaëlle Stubbe (Bélgica), Shamshad Khan (UK), Juan Gelman con el bandoneonista César Stroscio (poesía tango en exclusiva mundial), un homenaje a Leopoldo María Panero (quien ha pasado gran parte de su vida recluido en un manicomio), Alexis Díaz Pimienta (repentismo cubano). Y, desde luego, se han presentado diversos poetas indígenas como Irma Pineda (zapoteco), Enriqueta Lunez (tzotzil), y Briceida Cuevas (maya), Odi González (quechua), entre otros.

Para conmemorar el cincuentenario de la Casa del Lago, PVA.09 realizará una visita transgeneracional al trabajo del director fundador de este recinto, Juan José Arreola, con un Confabulario Musical realizado por el músico Alonso Arreola e invitados especiales como Nicolás Alvarado, Jaime López y Fernando Rivera Calderón a partir de secuencias y samplers. Así mismo, José de la Colina, José Antonio Lugo, Armando González Torres, Paola Velasco y Francisco Santillán reflexionarán sobre la relación de Juan García Ponce con la Casa del Lago.

Por otro lado, el escritor francés Michel Houellebecq ofrecerá una sesión sui géneris, acompañado por improvisaciones sonoras de Alonso Arreola, mientras que la estadounidense Ursula Rucker explorará la tradición oral afroamericana con un concierto que se nutre de soul, hip hop y jazz poetry. Como exponente fundacional del Infrarrealismo, el chileno Bruno Montané presentará su libro Mapas y Escritos, de la editorial artesanal La Ratonera Cartonera.

Entre los más jóvenes participarán miembros de distintos colectivos, forma de organización generacional relacionada ya no con los grupos y manifiestos reivindicativos de las vanguardias del siglo XX, sino con la fiesta colectiva y la producción-difusión a través de las nuevas tecnologías. Así, de La Red de los Poetas Salvajes estarán Manuel de J. Jiménez con su iuspoética (hibridación de la jurisprudencia y la poesía), al igual que Yaxkin Melchy con su poesía-performance. Las Poetas del Megáfono realizarán un Carnaval Poético, mientras que el colectivo Devrayativa estará representado por Daniel Malpica. Por último, el colectivo Motín Poeta entablará un diálogo visual y sonoro con composiciones corporales.

De Valencia, España, participará Bartolomé Ferrando, heredero de la poesía acción y la tradición de las vanguardias del siglo XX, recordándonos que la experimentación poética tampoco empezó con las nuevas tecnologías. Él complementará su participación con la conferencia La ética en el arte acción.

Francisco Segovia ambientará sus Poemas marcianos con música electroacústica, mientras que Manuel Rocha realizará deconstrucciones vocales a partir de rezos y diversas lenguas, así como esculturas poético sonoras interpretando varias piezas, entre ellas el poema Pocos Cocodrilos Locos de Mathias Goeritz; además ofrecerá una conferencia sobre la Poesía Sonora en México. Por su parte, el músico Rogelio Sosa y la actriz Anajosé Alderete explorarán las nuevas narrativas y la palabra hablada, experimentando con el monólogo Psychosis 4:48 de Sarah Kane.

Las modernidades populares estarán representadas por la versada jarocha de Mono Blanco; por los rezos, conjuros y ebriedades tzotziles del Taller de Leñateros de Chiapas; así como por el poeta náhuatl Mardonio Carballo, esta vez en colaboración con Juan Pablo Villa y sus improvisaciones vocales. Por último, estarán también la hiphopera Ximbo y el poeta lenguaraz Feli Dávalos.

Como en 2008, el festival se expande hacia otras sedes: el español Javier Corcobado ofrecerá en el Lunario, un performance poético acompañado al piano por Susana Cáncer. Y la bailarina argentina Diana Teocharidis presenta en el MUAC un performance donde la escritura coreográfica se cruzará con la música y la poesía de Alan Pauls y Jorge Fondebrider.

Contaremos con la presencia del festival de cine poético Zebra de Alemania, así como con una mesa de exhibición de editoriales independientes locales.

Juan Joaquín Pérez-Tejada (méxico / performance de lesa poesía & table poetry)

- Regresar al Índice -

Juan Joaquín Pérez-Tejada Domínguez. Poeta, escritor, lector en voz alta y promotor de lectura y escritura. Nació en 16 de agosto de 1962 en Veracruz, Ver.

Ha publicado los libros de poesía Los refranes del jaranero editado por el Fondo Editorial Tierra Adentro, 1993. La caza de la pereza, editorial de la Universidad Veracruzana, 1996 y Cancioncillas del perezoso, poesía. Editorial Veracruz Portátil, 2007. Fernando es el pescado es la grabación que realizó con Urbanita y los metronautas en 2000.

Ha recibido el Premio Nacional de Poesía de la Universidad Veracruzana en 1994 y La beca Creadores con trayectoria que otorga el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Veracruz, 1999-2000.

Este año ha presentado su performance de lesa poesía y table poetry en Los caseros, el Centro de Lectura Condesa del INBA y el Café La Gaya Scienzia. Integrante del grupo de música y poesía Urbanita y los metronautas con el cual se ha presentado en diferentes foros culturales de la Ciudad de México y Veracruz, 1997-2009; y ha grabado este año el disco La noche que murió Marlon Brando de próxima aparición.

Nocturnos: Diana Theocharidis

- Regresar al Índice -

Nocturnos es un performance interdisciplinario con coreografía de Diana Theocharidis y música de Martín Matalón sobre poemas de Alan Pauls, donde la escritura coreográfica se cruza con la musical y con la poesía. El título alude a esa forma libre de composición del romanticismo en que la noche es un momento en el que se despliega la interioridad.

Nocturnos se realizará en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, en el marco del Festival Internacional de Danza Contemporánea de América Latina y del Festival Poesía en Voz Alta.09.

La coreógrafa argentina Diana Theocharidis realizará un laboratorio con bailarines argentinos y mexicanos y trabajará en torno a dos poemas inéditos del escritor Alan Pauls: El hombre que muere y La mujer que huye. Éstos son como diarios íntimos en tiempo real. Las “voces” de cada uno -la del hombre y la de la mujer- son autónomas, pero al mismo tiempo, cercanas. Como dice el autor: “es posible que esto que dicen tenga lugar en una única y misma noche, en una única y misma ciudad y que, más tarde o más temprano, terminen por cruzarse”.

Matalón compone piezas para instrumentos solistas y electrónica, que parten de la idea de viajar al interior de estas voces, y al mismo tiempo buscan ampliar su campo sonoro, gracias a las extensiones tímbricas y espaciales que permite la electrónica. En estos poemas aparece de distinta forma la idea de tensión entre el mundo interior y el mundo exterior.

La puesta en escena se realizará en un espacio a la vez interior y exterior. Delimitado por superficies vidriadas dentro del MUAC, el dispositivo escénico mantiene una tensión entre el espacio cerrado y el espacio abierto. El vidrio es una membrana transparente que separa ambos mundos y que a la vez muestra su continuidad. La intención de este dispositivo escénico es crear un entorno que transforme el espacio de los intérpretes y del público.

Nocturnos continúa un ciclo de obras multidisciplinarias en espacios públicos de Theocharidis llamado “Trazas”, que desarrolla una poética sobre lugares que funcionan como metáforas de la interioridad, de ese “estar dentro estando fuera” característico del ser humano.

Insecto lunar: Anaïs Abreu

- Regresar al Índice -

Partiendo del poema Insecto lunar, nace una danza que pretende representar la carga sentimental que surge en los versos. Una mezcla entre música, el poema y el cuerpo.

 

Anaïs Abreu D’Argence (México, 1982). Es poeta, narradora y ex-bailarina. Se dedica a confeccionar islas de poesía. Ha publicado cuatro libros artesanales bajo el sello de colección del megáfono y en diversas antologías y revistas literarias. Explore su archipiélago: http://www.sorjuanais.blogspot.com/

Molino de cuento:Daniel Malpica, Manuel Menéndez y Marco Armenta

Daniel Malpica (Ciudad de México, 1988) Poeta y músico. Estudia Historia en la FFyL de la UNAM. Ha participado en las ediciones 2006 y 2008 de Poesía en Voz Alta; en ésta última se presentó con el grupo de rock progresivo No Somos Rusos.

Es miembro del colectivo Devrayativa y forma parte de la Red de los Poetas Salvajes. Desde 2006 realiza en la Casa del Lago el ciclo de poesía ECOS, un espacio dedicado a la difusión de jóvenes poetas, que desde su tercera edición es una ofrenda a la libertad y la mezcla de la poesía con lo escénico, lo visual, la música, entre otras disciplinas. Es cofundador, junto con Manuel Menéndez, del proyecto Molino de Cuento, (molinodecuento.blogspot.com) de donde también nace el Taller de Sensibilización Artística.

Manuel Menéndez (Ciudad de México, 1985) Pintor y músico tablista. Es cofundador del Molino de Cuento. Participó junto con Daniel Malpica en el ciclo ECOS.

Marco Armenta (Ciudad de México, 1985) Licenciado en diseño gráfico. Músico y pintor.

Michel Houellebecq & Alonso Arreola

- Regresar al Índice -

Proyecto emblemático de Casa del Lago desde su nacimiento en 1959 a manos del escritor jaliciense Juan José Arreola, el ciclo Poesía en Voz Alta ha recuperado su pertinencia y brío en años recientes recordándonos que la indisoluble relación de la literatura con otras artes produce audiencias variopintas y renueva las fuerzas creadoras de cualquier ciudad.

 

Con la presencia de escritores, pintores, escultores, actores, ajedrecistas y músicos de todo tipo de géneros, las palabras nacidas en este espacio han cobrado cuerpo y volumen a lo largo del tiempo para generar diálogos inusitados, trascendentales en la evolución de nuestra cultura y memoria. Asimismo, estas palabras en altavoz han permitido mirar hacia el futuro resucitando el espíritu del pasado, de esos happenings que en los 60 y 70 abrieron Casa del Lago a experimentos con los que el propio Arreola y sucesores como Tomás Segovia, Juan Vicente Melo y Hugo Gutiérrez Vega trascendieron las fronteras naturales de cada hacer artístico, tal y como está sucediendo ahora.

 

Partículas Horizontales

Columna vertebral en la primera visita a México del polémico y mundialmente reconocido escritor francés Michel Houellebecq, Casa del Lago presenta un recital —en su acepción más literal— en el que se dan la mano fragmentos de su obra leídos por él mismo, con improvisaciones y piezas creadas ex profeso por el compositor y virtuoso bajista mexicano Alonso Arreola.

Subtitulado del francés al español en tiempo real, el contenido del encuentro —como los personajes de uno y las partituras del otro— aludirá al nihilismo, los viajes, el erotismo y la posibilidad del amor fundiendo la voz del autor de Las partículas elementales con las manos del autor de Música horizontal.

Michel Houellebecq (Saint Pierre, Isla de Reunión, Francia, 1958). Poeta, novelista y ensayista cuya obra se ha convertido en hito de la nueva narrativa europea.

Pasó la infancia y adolescencia con su abuela paterna, de la cual adoptó su apellido. En 1980 se licenció como ingeniero agrónomo. Trabajó un tiempo como informático, experiencia que quedará reflejada en su primera novela, Extension du domaine de la lutte, uno de los libros más vendidos el año de su publicación. Su segunda novela, Les Particules élémentaires, es considerado el mejor libro francés de 1998 por la revista Lire y fue galardonado con el Prix Novembre; además obtuvo el Premio Nacional de las Letras para jóvenes talentos. Su tercera novela, Plateforme, lo convirtió en estrella no sólo por traducirse a más de 25 lenguas sino por ser objeto de una agria polémica religiosa y sexual. A causa de tal presión mediática dejó Francia para vivir entre Irlanda y España. Houellebecq, además, ha publicado libros de poesía y ensayos y ha colaborado en la realización de filmes inspirados en su obra, como la más reciente La posibilidad de una isla (www.michelhouellebecq.com).

Sobre su obra

“El autor de culto que está encarnando todas las preguntas de difícil respuesta y todas las impertinencias obviadas por sociólogos y moralistas se llama Michel Houellebecq”.- Mercedes Monmany, El País

“Houellebecq es un escritor genial, divertido y profético, más febrilmente vitalista frente al mundo que le rodea que muchos otros autores menos dispuestos a correr riesgos”.- Jenny Turner, The New York Times

“Atleta del desconcierto, experto en nihilismo, virtuoso del no future: Michel Houellebecq”.- Pierre Assouline, Lire

“Leer a Houellebecq es como verse atrapado en una tormenta tropical: sales volando por la ferocidad de su imaginación… Leerle nunca es desalentador; es, más bien, una fuente de constante inspiración y disfrute”.- Jason Cowley, The Observer

Alonso Arreola (México, DF, 1974). Compositor y periodista. Ex bajista de La Barranca, editó su primer álbum como solista, Música Horizontal, en 2007. Ha tocado en los principales festivales y foros del país, así como en varias ciudades de Estados Unidos, Europa y Asia (en 2008 realizó su primera gira por Japón, en donde fue editada su música, y ha sido invitado a La Habana por la Asociación Cubana del Rock). Este año lanzará tres álbumes, uno con su quinteto y dos comisionados: Cruento (Discos Intolerancia), La Manga (danza contemporánea) y Música para ser niño (Baby Circus Music).

En el 2008 fundó el laboratorio didáctico LabA al que asisten más de 20 bajistas jóvenes. Desde hace 15 años ha sido editor y colaborador en numerosos medios impresos y electrónicos (www.labalonso.com).

Sobre su obra

“Alonso Arreola es una inspiración para mí, como persona y como artista. No sólo es un buen bajista sino un músico maravilloso y un creativo compositor. Estoy esperando su siguiente paso”.- Victor L. Wooten, bajista de Béla Fleck & The Flecktones

“LabA es el virtuoso bajista mexicano Alonso Arreola y un grupo de amigos (...) Pero lo que hace que valga la pena escuchar esta colección de miniaturas no es el calibre de los músicos, sino la imaginación y expresión emocional contenida en la música”.- J. D. Consdine (sobre Música horizontal), Bass Guitar Magazine.

Neruda, Borges, su abuelo Juan José Arreola, Miles Davis, Jaco Pastorius, el amor por sus perros, su pasión por el ajedrez y, sobre todo, la necesidad de crear música que va más allá de lo liviano, de lo fútil o superfluo, hicieron una virtud de refinamiento, de inmortalidad transcrita en cada una de sus 19 piezas y un silencio”.- Juan Carlos Villanueva (sobre Música horizontal), Rolling Stone México.

Alonso Arreola es uno de mis artistas favoritos. Es un músico brillante que utiliza elementos disímbolos para crear armonía en su sentido literal y abstracto”.- Michael Manring, bajista discípulo de Jaco Pastorius.

Partiendo del poema “Insecto lunar”, nace una danza que pretende representar la carga sentimental que surge en los versos. Una mezcla entre la música, el poema y el cuerpo.

Ablación: Anajosé Aldrete y Rogelio Sosa

- Regresar al Índice -

Sarah Kane se ha convertido en autora británica de culto por las cinco obras que escribió, Blasted, Phaedra´s Love, Cleansed, Crave y 4:48 Psicosis su obra póstuma, estrenada cuando ya no vivía. El título alude a la hora en que se cometen más suicidios ya que, según estadísticas de Inglaterra, en esa hora aproximada acaba el efecto de los fármacos psiquiátricos tomados la noche anterior.

 

Psicosis 4.48 es un monólogo sobre la soledad, el abandono, el desamor y la inconformidad. En esta obra Sarah Kane utiliza diálogos, soliloquios y poesía: un rompecabezas en el que se denuncia la frustración de estar vivo, es una pieza teatral abstracta que presenta el paisaje de una mente perturbada contemplando el suicidio, que a la vez podría entenderse como una carta de despedida. El escenario puede entenderse simplemente como la psique multifacética del personaje, en la que coexisten memorias, conversaciones, paranoia, dolor y epifanías.

La puesta realizada por Abación utiliza recursos sonoros para complementar y acentuar el carácter no lineal y discontinuo de la obra, así como para evidenciar su fragmentación emotiva y narrativa. Mediante un dispositivo sonoro que hace uso de grabaciones multicanal e improvisaciónes con medios electrónicos en tiempo real se busca sumergir a los espectadores en un escenario sonoro delirante que refleje la perturbadora psique del personaje.

Ablación es un proyecto de experimentación sonora y escénica de Anajosé Aldrete y Rogelio Sosa, que indaga las relaciones entre texto y sonido. Utilizando recursos y herramientas sonoras de carácter experimental tales como el procesamiento y la grabación de voz en tiempo real, así como textos que van desde la poesía hasta guiones de teatro, el dúo busca generar nuevas narrativas sonoras y escénicas mediante la deconstrucción fonética del lenguaje y la intensificación de las diversas dimensiones sonoras del la palabra hablada.

Anajosé Aldrete (Ciudad de México, 1978) comienza sus estudios a los 18 años en el Method Studio y en la École Philippe Gaulier de Londres. Posteriormente cursa el diplomado de producción de teatro en la Royal Academy of Dramatic Arts. Al concluir sus estudios en Londres ingresó al Eugene Lang College, escuela incorporada a la New School University de lNueva Cork, donde curso la licenciatura en teatro y de la cual se graduó en el 2006. Durante sus estudios escribió tres obras de teatro, interpretó tres papeles protagónicos en diversas obras y participó como actriz y asistente de dirección en dos compañías de teatro con base en Nueva York.

Ha colaborado en diversos proyectos de experimentación sonora con Rogelio Sosa, Ake Parmerud y Daniel Goldaracena.

En 2006 recibe la beca de intérpretes del FONCA. Actualmente vive en la Ciudad de México.

Rogelio Sosa (Ciudad de México, 1977) es artista sonoro, compositor y promotor de música electrónica experimental y arte sonoro.

Realizó estudios de música electrónica en los Ateliers Upic y en el Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique (IRCAM), en Paris, entre 1999 y 2001. En 2003 obtuvo una maestría en música y tecnología en la Universidad de Paris VIII. Desde 2004 radica en la Ciudad de México. Actualmente forma parte del proyecto de improvisación con medios electrónicos .pig, es profesor de la Universidad del Claustro de Sor Juana y director del festival Radar.

Su trabajo se ha presentado en Argentina, Alemania, Bélgica, Canadá, Chile, Cuba, España, Estados Unidos, Francia, Holanda, Hungría, Italia, México y Perú.

Ha recibido cuatro veces becas y apoyos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Entre sus premios y distinciones figuran: el Premio Nacional de la Juventud en Artes (México, 2000), el Concurso de Música Electroacústica SCRIME (Bordeaux, Francia, 2000), el Concurso de Música Electroacústica del IMEB (Bourges, Francia, 2001), el Premio Nuevas Resonancias (México, 2001), el Concurso de Música Electroacústica Luigi Russolo (Varese, Italia, 2002), el Concurso de Música Electroacústica EAR (Budapest, Hungría, 2003), el Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios del Centro Multimedia (México, 2006) y el premio Visiones Sonoras (México 2008).

Bartolomé Ferrando

- Regresar al Índice -

Bartolomé Ferrando (Valencia, España,1951). Profesor titular de performance y arte intermedia en la Facultad de Bellas Artes. Fundador de la revista de poesía experimental Texto Poético. Como performer participa en diversos festivales y encuentros de performance y poesía de acción celebrados en Europa, Canadá, México, EEUU, Japón, Corea, Vietnam, Singapur, China, Argentina, Venezuela y Chile.

Expone su poesía visual, poesía objeto e instalaciones poéticas en España, Italia y Francia. Forma parte de los grupos: Flatus Vocis Trio, Taller de Música Mundana, Rojo y 3 i no res, dedicados al desarrollo de prácticas creativas situadas a medio camino entre la música, la poesía y el arte de acción.

Además de Texto Poético, publica los libros Trazos, Propuestas poéticas, Jocs, Latidos, Valencia y En la frontera de la voz. Los ensayos Hacia una poesía del hacer, El arte intermedia, La mirada Móvil y El arte de la peformance, elementos de creación; diversas grabaciones en MC, LP y CD y varios videos y DVD de performance.

El trabajo de Bartolomé Ferrando consiste en una combinación de distintos modos de hacer en poesía. Desde la lectura breve de algunos poemas discursivos hasta la poesía acción, entre los que incluye piezas como "Sintaxis" y "Música visual III". Hará también algunas piezas fonéticas y sonoras, basadas en la descomposición y reconstrucción del lenguaje, así como otras generadas en base a la permutación.

Manuel de J.Jiménez

- Regresar al Índice -

La iuspoética es poesía del “delirio institucional” o “la rama del derecho que estudia la poesía como ley cosmogónica”, o en su caso, “el derecho de incorporar en la poesía formas jurídicas”. Manuel de J. Jiménez tratará de exponer esta especie de poesía a través de piezas sonoras, piezas audiovisuales y la lectura de sus poemas. Busca generar una atmósfera mecanizada, burocrática y de oficina. Se proyectarán las partes visuales de los poemas en una pantalla y se escucharán los sonidos propios de una oficina mezclados con el viaje delirante del poema, mientras el autor lee los textos con traje de servidor público y “redacta una demanda” en una maquina de escribir (la intención de la atmósfera también es crear una imagen retro). A su vez, el autor entregará al público parte de las “pruebas” de esa demanda (hojas con un fragmento de la demanda/poema). Para lograr estas intenciones, el autor se apoyará en el trabajo de la artista visual, egresada de la ENAP, Dyana Llamas Galicia (Ciudad de México, 1986).

 

Manuel de J. Jiménez (México D.F., 1986) Estudió Derecho en la UNAM, trabajó en la editorial de la Facultad de Derecho de la UNAM y en CEID ediciones. Ha participado en los festivales de poesía Ecos III y Subterráneo. Es director de la revista de literatura Trifulca. Publicó el poemario Los autos perdidos: expediente previo (Red de los poetas salvajes, 2008). Poemas suyos han aparecido en Metrópoli, Punto en Línea de la UNAM, Ruleta China, entre otras revistas. Pertenece a la Red de los poetas salvajes, un muestrario de nuevos poetas mexicanos que pretende proyectar la poesía a diferentes ámbitos.

Ursula Rucker

- Regresar al Índice -

Nació y se crió en Filadelfia, Pennsylvania, donde se graduó en periodismo en la Temple University. De ascendencia afro-americana e italiana, Ursula Rucker ha escrito poesía desde la adolescencia, pero guardó sus escritos hasta 1994, año en que leyó sus poemas en el Zanzibar Blue de Filadelfia. Ese mismo año fue invitada a colaborar en las grabaciones de varios artistas y productores, como King Britt, 4hero, Jamaaladeen Tacuma, Josh Wink y The Roots.

Ursula Rucker ha ganado reputación por su estilo y técnica para ‘decir’ la poesía y por su manejo del escenario, que la describe como “fuerte y vulnerable, herida y furiosa”. King Britt la invitó a realizar su primera grabación de spoken word, el hit de 1994, “Supernatural”. Los seguidores de la música dance y los D’js apreciaron rápidamente las letras y los ritmos de Rucker, calificados como “místicos”, mientras que los remixes y el original de “Supernatural” fueron un hit en los clubes de Estados Unidos. El remix más popular de la canción es la versión a capella.

La emoción de Rucker en su trabajo y en sus letras, ha llevado a algunos críticos a compararla con célebres escritores como Sonia Sánchez y Nikki Giovanni, describiéndolos como “poderosos”. Casualmente, cuando Ntozake Shange no pudo colaborar con The Roots en su segundo álbum de spoken word, titulado Do You Want More?!!?!!, llamaron a Rucker para hacerlo. The Unlocking le atrajo subsecuentes invitaciones para colaborar en los álbumes de The Roots Iladelph Halflife y el disco de oro Things Fall Apart.

Varios críticos aclaman el valor del trabajo de Rucker con The Roots, 4hero y otros grupos. Rucker ha llevado sus performances entre otros al “Festival de Jazz de Montreal”, “La Conferencia de Música de Invierno 1992”, y “El Festival por la Libertad Australia 2005” de Amnistía Internacional, en apoyo a su campaña “No más violencia contra las mujeres”.

Ha participado en giras con Jamaaladeen Tacuma, SYLK130, y 4hero, en E.U. y en Europa. Autora del sencillo “Soon for Unbound”, que formó parte del álbum para Mumia Abu Jamal, famoso convicto sentenciado a muerte en 1982 por el asesinato del oficial Daniel Faulkner.

Dos críticos de la ‘bbc.co.uk’ hablan del trabajo de Rucker: En una reseña del álbum Supa Sista, Andy Puleston, afirma que las cuerdas vocales de Úrsula cantan con “sedosa entrega”, y al igual que Michael Franti, demuestra como una palabra al oído alcanza más volumen que el parloteo del micrófono. Acerca del álbum Silver or Lead, Paul Sullivan señala que la voz de terciopelo de Úrsula logra aminorar la crudeza de sus temas, al tiempo que les añade una dimensión siniestra.

MotínPoeta: Rocío Cerón, Bishop, Nómada, Tower, Abigail Jara, Mijail Rojas

- Regresar al Índice -

Imperio es una acción poética, sonora, visual y dancística que conjunta el trabajo creativo de cinco artistas, partiendo del libro de poemas homónimo. La acción involucra la investigación y el diálogo visual y sonoro a través de la creación de texturas, imágenes, sonidos y composiciones corporales, creadas en específico para la acción, de lo que resulta una experiencia donde se funden los cuatro lenguajes para crear en el espectador una experiencia sobre los múltiples significados de la guerra y la reconstrucción del núcleo familiar.

Con Imperio, MotínPoeta, colectivo generador de proyectos interdisciplinarios (poesía: Rocío Cerón::: música: Bishop::: visuales: Nómada:::danza: Abigail Jara y Mijaíl Rojas), realiza su tercera producción, con la que permite la ‘contaminación’ entre distintos lenguajes artísticos para romper con la idea de un arte purista. La acción poética permitirá, a su vez, contactar con los espectadores de manera directa y en tiempo real, y sacar del soporte del libro los diversos contenidos y desdoblarlos a nivel escénico y performático.

Rocío Cerón (Ciudad de México, 1972). Es autora de los libros de poesía Litoral (filodecaballos, 2001); Basalto (CONACULTA-ESN, 2002); Soma (Ediciones Eloisa, Buenos Aires, 2004), Apuntes para sobrevivir al aire (Ediciones Urania, 2005) e Imperio (FONCA-CONACULTA-MotínPoeta, 2009). Ha sido becaria del FONCA-Jóvenes Creadores, emisiones 1998-1999 y 2006-2007. Obtuvo el Premio Nacional de Literatura Gilberto Owen 2000, en el género de poesía. Es cofundadora del colectivo interdisciplinario MotínPoeta que ha producido los Cd`s de música y poesía Urbe Probeta y Personae, y es editora de Ediciones El billar de Lucrecia, dedicada a la reciente poesía latinoamericana. Obra suya ha sido traducida al inglés y al alemán. Participó en la Bienal de Poesía Visual, en las emisiones de 1995 y 1998, en la Academia de San Carlos y en el Museo del Chopo, respectivamente. Participó en el Quinto Festival de Performance, en X´Teresa Arte Actual. Realizó acciones poéticas en la I Bienal de los Ángeles, Puebla, y en la muestra Fragmentación Poética, en Caja Dos. Entre las exhibiciones en las que ha mostrado su trabajo de poesía visual cabe resaltar 100 Artistas contra el SIDA, Colegio de Economistas; Paraíso-Infierno, 20/30 Espacio; De Ciclos y Palabras, Sincronía y Reflexiones sobre el Lecho, Caja Dos Espacio Alternativo y Puente Abierto, Museo Carrillo Gil. Participó, junto a Carla Faesler y Mónica Nepote, en una acción de poesía en escena, bajo la dirección de La Máquina de Teatro, dentro del festival Poesía en Voz Alta 06, en Casa del Lago (2006) y en el Museo de la Ciudad de México (2007). Actualmente dirige el Taller de Intervenciones Poéticas y Visuales.

Bishop (Ciudad de México, 1972). Músico y productor musical. Ha trabajado en diferentes áreas de producción y difusión de música electrónica, ha producido distintos géneros, desde la experimentación sonora hasta comerciales. Ha sido fundador de sellos independientes (Hope System records, Discos Konfort, Subunda & Breakbeats, Shift, Nucleoroto) editando su trabajo y el de otros artistas, proyectándolos dentro y fuera del país.

Su obra ha sido nominada y galardonada en distintos festivales: Qwartz Electronic Music Award (Francia) The Smoked Mirror (India) Encuentro Latinoamericano de Sonidos Electrónicos e Industriales (Colombia), entre otros. Sus colaboraciones con otros proyectos son diversas: con Motín Poeta desarrolla la parte musical y auditiva, con MACC Enterteinment abre espacios y realiza eventos de gran escala. Con el colectivo Pánico de Masas imparte talleres de producción musical. Se dedica a promover sus más actuales proyectos como son Nucleoroto Música, Shift, Stervhïa, Subunda & Breakbeats, todos ellos en el mismo campo de música electrónica con diferentes interpretaciones, objetivos y desarrollo.

Vj Nómada (Ciudad de México, 1983). Ha desarrollado videos para Subunda Records, MotínPoeta y el colectivo Konfort. Sus piezas han sido proyectadas en diversos festivales de música. Trabaja actualmente en una pieza de video de larga duración (21.5 horas).

Abigail Jara. Desde el 2001 es coreógrafa y bailarina de MUSSE D.C. con la cual ha participado en diferentes festivales de España y México: Maratò del Espectacle en el Mercat de les Flors en Barcelona, Muestra de Mujer y creación en Villanova, España, Festival de Cultura Hispana en Huesca, España, Muestra MAC-OPOSAT en Barcelona entre otros. MUSSE D.C. ha sido compañía residente del centro cultural Barceloneta en el 2003. Con “Vouyerista” y “Mujer cocinando” ha participado en la muestra internacional de Video-Danza INBA-CONACULTA 2002 y 2004. Ha recibido el apoyo para Jóvenes Creadores y Ejecutantes del FONCA (2006-2007), FONECA (2002-2003) y FECAS (1999-2000)

Mijaíl Rojas. Graduado de la Escuela Nacional de Artes de Cuba. Desde 1995, radica en la Ciudad de México, donde ha trabajado en las principales compañías de danza independiente. Desde 1996 es parte de Alicia Sánchez y Cía. “el Teatro de Movimiento" en donde ha participado entre otros en: el Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, Festival Cervantino, Festival Mexichkeho Tance V Ceske Republice, Queens Theater in The Park, Tangente Montreal, Links Not Project New York, etc. En el marco del premio Miguel Covarrubias INBA-UAM, ganó el concurso de creación coreográfica contemporánea 2006, con el estreno “Vacíos”, coreografía con la cual obtuvo el premio al mejor bailarín masculino y mejor iluminación. Becario del FONCA, rubro interprete (2007 – 2008).

Manuel Rocha Iturbide

- Regresar al Índice -

Manuel Rocha Iturbide es compositor y artista sonoro. Desarrolla su trabajo creativo con audio puro, o con la realización de esculturas e instalaciones sonoras. Se ha interesado tanto en las posibilidades sónicas del lenguaje hablado, como en las técnicas vocales extendidas. Ha incorporado a su trabajo la poesía sonora. La conferencia es parte de una investigación que comenzó cuando fundo el Festival Internacional de Arte Sonoro en México, en 1999.

En Poesía en Voz Alta.09 presentará obras basadas en la manipulación y transformación del lenguaje hablado. En Moin Mor parte de la lengua galica antigua, en cantos rituales parte de rezos y cantos en distintas lenguas, y en Avanzas, usa un poema de Julio Trujillo que deconstruye en la electroacústica. Realizará también una interpretación de la poesía de Mathias Goeritz con la voz del actor Diego Jáuregui.

Manuel Rocha Iturbide estudió piano y composición en la ENM de la UNAM. Trabajó tres años en el taller colectivo de fotografía de Pedro Meyer y participó en exposiciones en México, Brasil, Cuba e Italia. Su interés por el cine, el video experimental, las instalaciones y la escultura sonora, lo llevaron a los Estados Unidos (Universidad de Mills Collage), donde obtuvo maestría en música electrónica y composición (1991). En París realizó cursos de música por computadora en el IRCAM (1992-1993), y una tesis de doctorado en el área de Estética, Ciencia y Tecnología de la Música en la Universidad de París VII, bajo la dirección de Horacio Vaggione (1992-1996). Ha publicado artículos de arte y tecnología, arte sonoro y música por computadora en publicaciones nacionales e internacionales; su música ha sido ejecutada en México, EU, Canadá, América Latina, Europa y Asia. Obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del FONCA (1993-94); en 1996 y 1997 obtuvo dos premios en el Concurso Internacional Luigi Russolo de Italia y dos menciones honoríficas en el Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges.

En 1998 obtuvo una beca de residencia en BANFF, en 2002 mención especial en la Bienal FEMSA de Monterrey, en la categoría de instalación, y en 2005 ganó el primer lugar en el Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges. Algunas exposiciones en las que ha participado son: Galería Crousel (París Francia, 1994). Lines of Loss en Artists Space (NY, 1997). Bienal Internacional de Sidney Australia, 1998. Project Rooms de la Feria ARCO, 1999. Nothing, en Roseeum (Malmo Suiza, 2001), AVATAR (Quebec Canadá, 2002), Koldo de Mixtelena (San Sebastián España), Forum Internacional de las Culturas Monterrey (2007).

En 2000 obtuvo la beca Fundación Japón y produjo instalaciones (Galería SURGE y Kyoto Art Center), música electroacústica y una exposición de fotografía, video y arte sonoro en zonezero.com. En 2002 es becado para ir a Venezuela y expone varias esculturas e instalaciones sonoras en el museo de Bellas Artes de Caracas. Rocha Iturbide ha dado cursos de Historia del Arte y Estética (1987-88), música por computadora (Universidad de París VIII, 1995-96), arte interactivo (Centro Multimedia 1997-1998) y arte sonoro (Esmeralda). Fue co-fundador y curador del Festival Internacional de Arte Sonoro de 1999 a 2002. En 2003 impartió las cátedras de música por computadora y arte sonoro en la UAEM de Morelos (2004 a 2006), en la ENM (2004-2007), así como en el Claustro de Sor Juana y en la Ibero (2007-2008).

Javier Corcobado

- Regresar al Índice -

Javier Corcobado, conocido por la intensidad de su lírica como el poeta de la desesperación y el desgarro, hará una interpretación musical de sus poemas y dará al público mexicano una probada de su más reciente libro, Cartas a una revista pornográfica viuda. En este performance- poético lo acompaña su entrañable cómplice, la pianista, compositora y cantante Susana Cáncer.

También interpretará algunas canciones propias y versiones de temas favoritos de otros autores, en lo que dada su extrema desnudez, la dupla denomina canciones sin piel.

Sobre Cartas a una revista pornográfica viuda

“Éste es mi tercer libro oficial de poesía, además de la Antología de Poesía, Yo Quisiera Ser un Perro, que se edito en el 2008, y que recogía también dos libros anteriores inéditos. Está escrito entre noviembre de 2007 y enero de 2009, en un periodo de cambios notables en mi vida.

Empecé en Almería, después continué en México D.F., más tarde en Madrid y, finalmente, lo concluí en Bilbao.

La mayoría de los poemas están compuestos en cafeterías, aviones, trenes, autobuses y parques.

Una colección de disparos desesperados, arrogantes y humildes por igual, de dolores afectivos y de iluminaciones del alma, que se cierra con el descubrimiento del amor puro.

Abundan los poemas cortos, algunos de un solo verso, y asertos configurando una especie de manifiesto de la soledad que se refleja fielmente en el título.

Construcción y destrucción; muerte y vida; tristeza y felicidad… En definitiva, poesía simplemente”.

Javier Corcobado

Acerca de Javier Corcobado

Javier Corcobado nació en Frankfurt (Alemania). Tiene la nacionalidad española y se considera madrileño. En la adolescencia, junto con sus amigos formó Los Presumidos, grupo de versiones de rockabilly, punk y new wave, que jamás se presentó en directo ni grabó. Después incursionó en la música experimental con Cuatrocientosveintinueve engaños, formación con la que actúa por primera vez en la legendaria sala Rockola en 1983. En ese año y desde el ejército diseña, junto a Julián Sanz, el grupo con el que grabaría su primer disco, Mar otra vez. En 1985 lanza No he olvidado cómo jugar embarrado/Fiesta del diablo y el cerdo, un minielepé de excentricidades sonoras, extraño para la época en que los grupos de la Movida Madrileña alcanzaban el éxito comercial. Le seguiría un Ep compartido con Aviador Dro, Abrrr, y dos álbumes más, Edades de óxido y Algún paté venenoso. En 1987 el grupo se separa de forma traumática, desembocando en un nuevo proyecto de Javier: Demonios tus ojos, que sólo duraría un año, un año de fuego y de agresión cercana al blues y a la distorsión, en el que compartieron escenario en Madrid y Barcelona con Sonic Youth.

En 1989 inicia su carrera en solitario con Agrio beso, álbum en el que deja ver su faceta de crooner contemporáneo, sin dejar de lado el rock’n’roll. En 1991 forma Corcobado y Los Chatarreros de Sangre y Cielo, y compone uno de sus discos más densos, Tormenta de tormento, producido por Ollie Halshall. En ese año publica su primer poemario, Chatarra de sangre y cielo, en cuya presentación Javier aparece cantando y siendo tatuado simultáneamente. En la primera mitad de los 90, artistas de diversos estilos reclaman la poesía de Javier para sus canciones en forma de letras. Graba dos discos más con los Chatarreros: Ritmo de Sangre, que incluye una canción construida con un riff obsesivo de 21 minutos de duración, y Arco iris de lágrimas, uno de sus discos más completos, ambiciosos y acertados. Comienza a abrir brecha en México. Al mismo tiempo, se atreve a grabar sendos discos de boleros con canciones de Luis Demetrio, Juan Acereto, Manzanero, José Alfredo Jiménez, etcétera, bajo la dirección musical de Justo Bagüeste y con el nombre de Corcobado y Cría Cuervos. En 1994 se publica su segundo libro de poemas, El sudor de la pistola 13.

En la segunda mitad de los 90 graba, junto a Manta Ray, intenso grupo asturiano, Diminuto cielo; juntos realiza una gira española en 1997. A finales de 1998 graba Corcobator, su disco travestido. Y con el cambio de siglo se instala en La Coruña, donde cultiva su faceta de escritor y se aparta temporalmente de la música.

Su regreso a la composición y a los escenarios tiene lugar en México D.F. en 2001, donde forma banda y se presenta con éxito en varias salas de la ciudad. Allí compone y graba el álbum que abrirá su nueva etapa: Fotografiando al corazón, producido por Gerry Rosado. Con la obra terminada bajo el brazo, vuelve a España, consigue su edición y fija su residencia en los alrededores del Cabo de Gata, en Almería, donde se dedica a escribir su primera novela, El amor no está en el tiempo, publicada en 2005 por Tropismos, y traducida al italiano y editada en Milán por Gran Vía. Inmediatamente después convierte su cortijo en un estudio de grabación con la ayuda de Fino Oyonarte. El resultado: Editor de sueños, magnifico disco que propició una extensa gira por España, México, Italia y Venezuela. Al timpo, Juan Navarro propuso a Javier la posibilidad de participar con sus canciones, su presencia y sus músicos, en un espectáculo teatral titulado Agrio beso, como su primer disco en solitario. Esta obra ha sido representada con gran aceptación por parte del público en Barcelona, Madrid, Santiago de Compostela, Valencia y Santander.

En 2007, la editorial El Gaviero saca a la luz una antología poética de Javier Corcobado: Yo quisiera ser un perro. El volumen recoge sus dos primeros poemarios, además de Perpetuo viaje sin hogar, fruto de su estancia en México, Edad Sol, un libro inédito escrito en 1996, y Los poemas de Almería, escritos en el parque natural de Cabo de Gata-Níjar. Con Arrebato Libros publica en este 2009 el nuevo poemario “Cartas a una revista pornográfica viuda”.

Y volvemos al presente, al punto de partida. Javier Corcobado graba en México su obra cumbre, el disco titulado A nadie, otra vez junto a Gerry Rosado. Durante el transcurso de la grabación se presentó con lleno absoluto en el teatro Metropolitan, en Hard Rock Live, donde hizo un entrañable y misterioso concierto acústico, en Guadalajara, Puebla, etc. A nadie se edita en España en enero de 2009.

Y casi a finales de 2009, en noviembre, se presenta en México, por primera vez en el marco del festival internacional Poesía en Voz Alta.09, donde mostrará al público su más reciente libro de poesía: Cartas a una revista pornográfica viuda, en un performance poético que realizará en el Lunario del Auditorio Nacional, en el que será acompañado al piano por Susana Cáncer.

Feli Dávalos

- Regresar al Índice -

Feli Dávalos (Ciudad de México, 1982) Escribe poemas, ensayos y crítica musical (literaria si lo invitan); también hace rimas. Estudio Letras Clásicas, sin titularse. Se dedica a la radio. Es encargado de: El Kamaleón, música selecta para corazones sensibles, y Macramé, panorama de la nueva poesía mexicana, a través de la radio cultural en línea, Código DF (www.codigoradio.cultura.df.gob.mx); e igualmente, de Scratchamama (programa de hip-hop) a través de Ibero 90.9 (www.ibero909.fm). Textos suyos han sido publicados en La Gaceta del FCE, Tierra Adentro y Pic-Nic, entre otras revistas; así como en los libros Divino Tesoro (Casa Vecina 2008), Anuario de Poesía Mexicana 2006 del FCE y el libro de crítica a Gerardo Deniz, Deniz a mansalva (FETA, 2008). Publicó su primer libro, Mientras menos hagas, a principios del 2009 con editorial Lenguaraz. Para Feli Dávalos la fuerza y sentido de los textos reside en la utilización de la voz, el espacio, los gestos y la expresión corporal. La modulación de la voz, las pausas, las inflexiones, son sus recursos vitales. Desde su óptica, el poema cantado, rimado, o incluso rapeado puede ser sumamente efectivo: su cadencia y vaivén entre silencios, que se diferencia del rap o el hip-hop por la ausencia de producción musical, permite que su riqueza, sus capas, queden al descubierto, demostrando su acción catártica, gracias a una utilización eficiente de los recursos mínimos del cuerpo: la voz y el espacio.

Las Poetas del megáfono: Carnaval poético

- Regresar al Índice -

Las poetas del megáfono, colectivo internacional de jóvenes poetas, incursiona en una propuesta donde sus voces se funden con otras disciplinas artísticas, caminan de la mano con ellas para propiciar un acercamiento entre el espectador y el texto, saltan de la hoja para llegar más intensamente y por distintos caminos a las fibras de quien las escucha.

Su proyecto Carnaval poético incluye danza, body painting, clown, performance, música de autor, máscaras, monólogo teatral, videopoesía, poesía colectiva y megáfono. Todo sirve en este acto poético escénico tan divertido como reflexivo, que constata que la poesía deja de lado lo reducido del papel y se funde de muchas maneras para llegar al corazón de la gente.

Su intención, a través de esta sucesión de colores y expresiones, es cautivar al espectador y hacer que piense que la poesía está en todas partes, en la cotidianidad, en la fiesta y en el regocijo gozoso. Así, rota la cuarta pared, el público es parte del espectáculo poético, de una efervescencia lúdica que inunda todos sus sentidos

Integrantes:

 

Anaïs Abreu D’Argence (México, 1982). Es poeta, narradora y ex-bailarina. Se dedica a confeccionar islas de poesía. Ha publicado cuatro libros artesanales bajo el sello de colección del megáfono y en diversas antologías y revistas literarias. Explore su archipiélago: http://www.sorjuanais.blogspot.com/

 

Eva Cabo (Galicia, España, 1977) es escritora y narradora oral. Su poesía y sus cuentos han sido publicados en revistas literarias nacionales e internacionales. Ha publicado dos libros de poesía. Reside en México desde 2006, donde se la puede encontrar cazando garbancitos o pintando árboles rojos en la barriga del buey.

 

Espíela en: http://el-arbol-rojo.blogspot.com/

Haydee Ramos Cadena (México, 1980) es promotora cultural, escritora, profesora y redactora. Ha publicado en distintas antología y revistas. Aprendiz del viaje, la medicina tradicional y lo humano, también se dedica a la danza Odissy, que aprendió en Orissa y Nueva Delhi, India. Camine a su lado: http://haydeeee.hi5.com

Lauri García Dueñas (El Salvador, 1980). Luciérnaga, escritora y periodista. Tiene cuatro poemarios y su poesía aparece en diversas revistas alrededor del mundo. Ha participado en recitales y talleres en México, El Salvador, Colombia y Francia.

Busque sus palabras bioluminiscentes: http://laurigarcialuciernaga.blogspot.com

María Tabares (Bogotá, Colombia) es antes y después de todas sus vidas paralelas, una voz literaria. Poeta y narradora, tiene la habilidad de la levitación y la multipresencia. Radica entre México y Bogotá. Tiene dos novelas inéditas: La iniciación y Eva.

Teletranspórtese a su mundo: www.tabares-maria.blogspot.com

Marina Ruiz Rodríguez (México, 1982). Es poeta y encueratriz de oficio. Experimenta en artes escénicas como el performance, la danza y el desnudo artístico. Ha publicado dos libros artesanales y su poesía aparece en diversas revistas y antologías poéticas.

Baile con ella: http://marinaruiz.blogspot.com

Nicole Cecilia Delgado (Puerto Rico, 1980). Viajera, poeta, traductora, y organizadora cultural, es mono en el zodíaco chino, luna resonante roja según el calendario maya y pez de nacimiento. Radica en México desde el 2007. Ha publicado cinco poemarios.

Para escamas y caracoles húndase: http://nicolececilia.blogspot.com

Ximena de Tavira (México, 1984). Escritora, cantautora y teatrera empírica. Ha publicado algunos poemas y cuentos en antologías y revistas. Escribe una novela y una obra más dramática que túrgica. En sus ratones libres espera que vuelva Tomasa (felino fugitivo).

Ayúdela a buscar al gato encerrado: http://ximenadeta.blogspot.com/

Poemas marcianos: Francisco Segovia y Manuel Velázquez

- Regresar al Índice -

Lectura de poemas de Francisco Segovia, “escritos en Marte”, sobre un fondo musical (electrónico y acústico) improvisado en vivo por Manuel Velázquez sobre motivos establecidos.

Francisco Segovia (México, 1958). Ha publicado varios libros de poesía (Bosque, Ley natural, Elegía, etc.), de ensayo (SobreEscribir, Jorge Cuesta: La cicatriz en el espejo, etc.) y de prosas breves (Conferencia de vampiros, Abalorios y otras cuentas y Sarta de abalorios). Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Manuel Velázquez (México, 1986). Ha compuesto música para medios audiovisuales, especialmente animación. Ha participado en varios proyectos de música popular (en estilos diversos), entre los que destacan: “Ms. Woolf” (jazz) y “the delicious” (electrónica). Es autor del concierto Martha, para piano y sintetizador. Actualmente dirige el proyecto “pophessarg”, en el que se combinan música electrónica, pop y jazz.

Xolo: Juan pablo Villa y Mardonio Carballo

- Regresar al Índice -

Xolo (Teatro, Música y Poesía) es un espectáculo poético musical en náhuatl y español. Xolo es una palabra náhuatl cuyo significado denota la desnudez o la franqueza de las personas, pero Xolo es también este espectáculo donde es utilizada la voz como elemento cohesionador entre el aliento de la poesía y la perpetuación musical. Es la desnudez de dos artistas sobre un escenario. Dos artistas que se buscan y se encuentran en una escena que camina por las vías de la improvisación. Cada show es una oportunidad de recorrer los cielos y los infiernos personales de Juan Pablo Villa y Mardonio Carballo, un recorrido que va del arrullo a la muerte y de la muerte a la vida. Juan Pablo Villa crea mundos con su voz en complicidad constante con un looper, siendo la cama donde la poesía de Mardonio Carballo se echa a dormir para soñar que cantan una canción circular.

 

Mardonio Carballo

Es actor, periodista y escritor en náhuatl y español. Ha sido dirigido por Jorge Fons y Salvador Aguirre. Es colaborador de los noticiarios de Carmen Aristegui y Canal 22. Las Plumas de la serpiente, Nosotros tenemos la palabra y De Raíz Luna son sus creaciones. Es conductor y coordinador del programa Ombligo de Tierra (Código DF), y columnista de Emeequis.

Mardonio Carballo es autor de los libros Viejos Poemas (Edición de autor) y ¿Qué es/Qué ves? (SEP, Colección Pasos de Luna). Poemas suyos han sido publicados en Gran Bretaña por el PEN CLUB INTERNATIONAL.

Es parte del equipo de curadores del Festival Internacional de Poesía en Voz Alta de Casa del Lago, de la UNAM. Fue campeón del II Slam de Poesía organizado por la Alianza Francesa/México y el Zinco Jazz Club y Campeón Nacional de Slam Poetry en el año 2007.

Ha colaborado con personalidades de la música que van desde Eugenia León a Regina Orozco, de Roco (vocalista de Maldita Vecindad) a Juan Pablo Villa, pasando por las Reynas Chulas y una infinidad de Dj’s y músicos. Ha sido reconocido por el Instituto Nacional de Lenguas Indígenas como “referente fundamental en la difusión de las lenguas originarias en los medios masivos de comunicación”. De Raíz Luna su actual proyecto en Canal 22, ha sido reconocido por festivales importantes. En 2008 obtuvo Mención Honorífica en el premio José Rovirosa del Festival DOCSDF al mejor documental mexicano con su capítulo dedicado a la Policía Comunitaria de Guerrero. Este capítulo obtuvo Mención Especial en el más reciente Festival Pantalla de Cristal y el premio al mejor Diseño de Arte. Otro capítulo de esta serie, titulado Mujeres de agua digna: mujeres mazahuas en defensa del agua, obtuvo Mención Especial en este mismo festival. También obtuvo Mención Honorífica en la más reciente edición de la Bienal Internacional de Radio por la serie La Lengua del Papán, realizada para la SEP.

Juan Pablo Villa

Cantante y compositor que, desde hace 10 años y sobre todo los últimos tres, se ha dedicado a la investigación y exploración vocal por medio de la improvisación libre, técnicas vocales contemporáneas poco convencionales. Es, sin duda, un referente en México de lo que a exploración y expresión vocal se refiere. Ofrece conciertos en los que, con la voz como instrumento pilar, un procesador multipistas y diversos objetos, va creando un caleidoscopio de posibilidades vocales que generan un paisaje sonoro irresistible y sorprendente.

Como compositor ha trabajado con Apoc Apoc, compañía de danza dirigida por Jaime Camarena, en la creación y grabación de la música para la coreografía La fiesta de los bárbaros (2008); en la creación y grabación de la cortinilla de entrada de la serie De raíz Luna, creado y conducido por Mardonio Carballo para Canal 22 (nominada como mejor música original en Pantalla de Cristal, 2008); en la creación y grabación de la música de los cortometrajes Refugio… de aquí a ninguna parte, de Paulo Riqué (nominado a mejor música original en Pantalla de Cristal, 2006), Sangre Circular, Interior 19 y Peces de Asfalto, de Rafael Rangel (selección del FICCO, 2007); en la creación y ejecución de una pieza de la música de la coreografía El hombre que sólo sabía amar, de Vicente Silva (1998); y en la creación y ejecución de la música para el montaje El miedo insuperable, de Harif Ovalle, (2007).

Se ha presentado en diversos festivales nacionales e internacionales, entre los que destacan, Poesía en Voz Alta (2007 y 2008), Festival Ollin Tlalpan Jazz (2007 y 2008), FAOT (2008), Festival Internacional de Puebla (2008), Feria de San Marcos (2007); los festivales GREC y LEM (2008) de Barcelona, CROMA (2008) de Villadecans, Cataluña; así como en los museos MUAC (2008) y El Eco (2007 y 2008) de la Ciudad de México.

Ha tomado cursos de improvisación y exploración vocal con Fred Frith, Jöelle Leandre, David Moss, Shelley Hirsch, Joan LaBarbara, Nicholas Isherwood, Hebe Rosell, Alejandro Campero, Gilberto Ávalos y en el Roy Hart Theatre.

Ha participado con artistas de la talla de Shelley Hirsch, Germán Bringas, Mario de Vega, Hernán Hecht, Iraida Noriega, Vientos y Lugares, Cabezas de Cera, Raúl Fernández “Refree”, Fernando Vigueras, Muna Zul, Mardonio Carballo, Alejandro Ramírez Corona, Agustín Meza, San Pascualito Rey, Fratta, Monocordio, Tareke Ortiz y Eugenia León.

Yaxkin Melchy

- Regresar al Índice -

El performance de Yaxkin Melchy consiste en la lectura de poesía y caracterización de personaje; intervención de objetos simbólicos en el escenario y pista musical de fondo.

En su obra, busca la ingenuidad y las malignas posibilidades del poema para que el ejercicio poético dé paso al anuncio de un mundo nuevo, dentro de estos soportes está la cercanía del cuerpo con el robot y noción de poesía como lenguaje de una mente futura. El poema equivale al acto performático de algo que está por nacer. El poema como una intersección de planos delirantes: la vida: el diseño, la publicidad y la informática, así como también el delirio de los sueños y el temor de las pesadillas, la búsqueda de la sabiduría y la intervención política en los soportes callejeros como lugares de una nueva mente: stencil y estrellas.

Yaxkin Melchy.(Ciudad de México, 1985) Se gradúo en Diseño Industrial y estudia Letras Hispánicas en la UNAM. Ha participado en la revista independiente trifulca. Forma parte de la Red de los poetas salvajes. http://reddelospoetassalvajes.blogspot.com/ portal de autores emergentes. Ha publicado El Nuevo Mundo (1ra parte 2008), Ciudades electrodomésticas (2009), Los poemas que vi por un telescopio (2009), Las Pequeñas Galaxias (2009) y Emilio, la danza y la escritura (2009). Los cuales forman parte de su obra titulada: El Nuevo Mundo. Ha participado en encuentros virtuales donde ha publicado sus video poemas como el encuentro “dinossauros / @nfíbios”. Hace stenciles en las calles y es coeditor de “Santa Muerte cartonera”. Mantiene el blog: http://destruccionmasiva.blogspot.com

Intervenciones sonoras a la obra de Juan José Arreola

- Regresar al Índice -

Con motivo del 50 aniversario de la Casa del Lago, fundada en 1959 por el escritor jalisciense Juan José Arreola, el bajista y compositor Alonso Arreola presenta un concierto en el que dialogará con grabaciones originales de su abuelo, editadas por la UNAM en su colección Voz Viva de México, lo mismo que con otras de Editart registradas en estudio al lado del poeta Eduardo Lizalde, y en vivo desde la Casa Lamm.

Alonso utilizará también rarezas nunca antes escuchadas, entre las que se cuentan fragmentos de una partida de ajedrez entre Arreola y amigos como Homero Aridjis y Enrique Rocha, encuentros de ping pong, momentos familiares y una conversación inédita con el escritor argentino Jorge Luis Borges.

Acompañado en la batería por su hermano José María Arreola, en las guitarras y teclados por Alejandro Otaola y Gerardo Rosado, en el saxofón por Daniel Zlotnik, y cobijado por la participación de amigos músicos y escritores como Jaime López, Fernando Rivera Calderón y Nicolás Alvarado, Alonso explorará la obra de Arreola con improvisaciones y piezas compuestas para la ocasión, a lo que se sumarán algunos materiales fílmicos.

Estas intervenciones del Arreola músico sobre el Arreola escritor celebrarán en agosto de 2009 las cinco décadas de un espacio fundamental para el movimiento de las artes en México, al tiempo que cierran los 90 años del natalicio de quien diera fama a Zapotlán el Grande, hoy Ciudad Guzmán.

Alonso Arreola: Nació en la Ciudad de México en 1974. Bajista, compositor y periodista, editó su primer álbum en solitario durante 2007, Música Horizontal. En 2008, al frente de su quinteto (Chema Arreola, Gerry Rosado, Alex Otaola, Daniel Zlotnik) hizo una gira por Japón, país en donde también se editó su música. Desde entonces ha tocado en el Festival Vive Latino, en el Festival Baja Prog de Mexicali, en los festivales Cultural y Barroquísimo de Puebla, en la Feria de San Marcos de Aguascalientes, en la Cineteca Nacional (musicalizando en vivo a Charles Chaplin) y alternando con el trío de Adrian Belew (King Crimson) en los teatros Metropólitan del DF, Diana de Guadalajara y de la Ciudad en Monterrey. Como miembro del grupo La Barranca (2001-2007) hizo tres discos y se presentó numerosas veces en México, Estados Unidos y Europa. A finales de 2009 Alonso editará dos discos más: Suspendido, para la compañía de danza contemporánea La Manga, y Música para ser niño con el sello Baby Circus.

A inicios de 2010 sacará Cruento, su segundo álbum con el proyecto LabA. Sobre sus otras actividades: en 2008 Alonso fundó el taller didáctico LabA en el que imparte clases a más de 20 bajistas y, desde hace una década, ha sido editor o pluma en medios como Latin Pulse!, Chilango, Cinemania, Play Boy México, Rolling Stone México, Life & Style, Music:Life, Dixo.com, La Tempestad, Expansión, Reforma y La Jornada Semanal, entre otros. Desertor de la carrera de literatura en la UNAM, ha hecho coberturas en tres continentes. Muchas de sus experiencias se hallan en labalonso.com/blog.

Nicolás Alvarado: Nació en la Ciudad de México en 1975. Hizo estudios de Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana. Es autor de los libros Con M de México, un alfabeto delirante y La Ley de Lavoisier (ambos editados por Grupo Editorial Norma), así como de la obra teatral Cena de Reyes, que estrenada en octubre de 2009 en el marco del Festival Internacional Cervantino. Ha conducido diversos espacios culturales en Canal 22 y TV Azteca y, de 2001 a 2007, dirigió la revista El Huevo. Ha sido articulista de los diarios Reforma, La Jornada, Milenio Diario, El Centro, El Nacional y Crónica, así como de las revistas Letras Libres, Gatopardo, Nexos, Viceversa, (paréntesis), Revuelta, Este País y emeequis, y de La Gaceta del Fondo de Cultura Económica. Es consejero editorial de las revistas Fahrenheit, La Gaceta del Fondo de Cultura Económica, emeequis y Playboy en su edición mexicana. Actualmente es conductor de los programas “La Dichosa Palabra”, de Canal 22, y “ReVerso”, coproducción de Canal 22 con Televisa, así como comentarista de cultura del noticiario “Primero Noticias”, de Televisa. También colabora en las revistas Fahrenheit, Vuelo, Life & Style y Travel + Leisure, así como en el diario El Universal y en el noticiario “Contraportada” de Radio Fórmula.

Jaime López: Nació en 1954 en Matamoros, Tamaulipas, la tierra dispersa de la cual proviene. Ha criado algunos discos, uno que otro libro, pero sobre todo, animal de escenario al fin y al cabo, innumerables espectáculos en vivo y en directo a partir de sus canciones. Como autor, compositor, guitarrista, bajista, armoniquista y cantante pueden llamarlo López a secas. Lo demás es ganancia, incluso los afectivos adjetivos. Chilango desde los 16 años, estudió la preparatoria e ingresó a la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, para abandonarla por dedicarse a la composición e interpretación de canciones. “Venía a hacer la prepa como buen campeón, y sí la hice, pero fuera del salón”, dice su versión autobiográfica a Chuck Berry titulada Nunca me he llevado con el pizarrón. El 16 de agosto de 1985 participó en el Festival OTI con la canción “Blue Demon Blues”. Los años siguientes tuvo tratos con la industria discográfica, lo que dio como fruto el legendario disco Jaime López (1989), grabado en la ciudad de New York. Entre sus canciones más populares se encuentran piezas fundamentales para el cancionero mexicano, como “Primera calle de la soledad”, “Corazón de cacto”, “Sácalo”, “Muriéndome de sed”, “Chilanga banda”, “En toda la extensión de la palabra amor”, “Me siento bien pero me siento mal”, “Desde mi motocicleta”, “A la orilla de la carretera”, “Ella empacó su bistec” y “El mequetrefe”. Entre los miles de conciertos que ha dado a lo largo y ancho del país, el más reciente es el que ofreció en agosto de 2009 con Óscar Chávez en el Auditorio Nacional, Dos tipos descuidados. Antes de eso, en años recientes, interpretó y actuó a Xavier Villaurrutia, editó los discos Arando al aire y Por los arrabales, sonó con su banda Hotel Garage en el teatro Metropólitan y fue invitado de Alonso Arreola en varios foros de la República incluido el festival Vive Latino 2009.

Fernando Rivera Calderón: Nació en la Ciudad de México en 1972. Es escritor, humorista y músico. Licenciado en Comunicación Social por la Universidad Autónoma Metropolitana, realizó estudios de Historia de México en la FFyL de la UNAM y Pensamiento Contemporáneo en el ITAM. Desde hace 20 años ha sido reportero, columnista y editor en diversos medios nacionales, entre ellos Milenio semanal, Milenio diario, Eme Equis, La Revista del Universal, La Mosca y Rolling Stone, así como colaborador de varios programas de radio y televisión, como CNI Noticias, El Rotativo, Planeta 3, Fórmula de la Tarde, con Ciro Gómez Leyva y Hoy por Hoy, con Carlos Loret de Mola y con Carmen Aristegui. Es creador del Palomazo Informativo junto con Armando Vega-Gil, grupo de caricatura política musicalizada con el que ha grabado cuatro discos, y del proyecto personal llamado Monocordio, con el que también ha realizado cuatro grabaciones. Con ambos proyectos Fernando se ha presentado en diversos e importantes foros como el Zócalo capitalino, la Feria de San Marcos, el Teatro Metropólitan, el Lunario del Auditorio Nacional y el Foro Sol, dentro del Festival Vive Latino. En tiempos recientes publicó el libro El país de El Weso, junto con Enrique Hernández Alcázar, editado por Grijalbo, y de vez en cuando se da tiempo para hacer teatro de cabaret, género para el que ha escrito y actuado varias piezas. Actualmente es conductor de La Noche W, revista radiofónica que se transmite de lunes a viernes a las 10 de la noche por W Radio y de La Noche Boca Arriba, late show que se transmite los sábados a la media noche por el Canal 22, además de formar parte de El Weso, en W Radio y del Matutino Express, en 4 TV, donde funge como juglar editorialista.

Conjuros y ebriedades: Taller de leñateros

- Regresar al Índice -

El Taller de Leñateros está integrado por mujeres tzotziles. Los hombres llegaron después. Juntos se han dedicado a reproducir su historia para los tiempos postreros en el papel forjado con sus manos. También decidieron imprimir en ellos su propio verso y desde ahí lo comparten al universo. Conjuros y ebriedades es su gran trabajo poético. Libro-arte que tiene una proyección oral y escénica en la versión 2009 del festival Poesía en Voz Alta.

Desde hace dos décadas, en el estado de Chiapas se ha visto un auge y renacimiento de la literatura maya, entre la nueva generación de jóvenes tsotziles y tzeltales, sin embargo desde la conquista europea las oportunidades para aprender, practicar, ejercer las artes del libro y su edición han sido casi nulas para la enorme población maya.

Los cronistas de La Invasión Europea del siglo XVI enaltecían la belleza de los libros de los mayas y los aztecas y documentaban las hogueras en Yucatán y Texcoco, donde el pueblo amerindio lloraba y se suicidaba ante la destrucción de sus bibliotecas. Sólo sobrevivieron unos cuantos de los hermosos libros pintados de los antiguos mayas: El Popol Vuh, el Libro de los libros de los Chilam Balam y el Ritual del los Bacab.

Los artistas mayas tzotziles que colaboran en el Taller de Leñateros escriben libros propios, realizan las gráficas e ilustraciones, los imprimen, encuadernan con papel y fibras naturales reciclados de su propia manufactura, para finalmente venderlos. Han producido obras de gran belleza, desde libros arte-objeto, libros de material histórico-antropológicos, libros infantiles ilustrados con leyendas mayas, libros ecológicos… De este modo los leñateros intentan dar voz y difusión a escritores promotores de culturas indígenas, ecologistas y productores de libros.

Participantes en PVA.09: Damián Martínez y esposa (cantante y violinista); Maria Patishtán (Poeta); Loxa Jiménez (poeta); Maruch Méndez (poeta); Micaela Moshán (poeta); Petrona Hernández (poeta); Maricarmen Díaz (poeta); Julio Alvarez (traductor).

Juan García Ponce y Casa del Lago

En 1989, hace 20 años, el Fondo de Cultura Económica publicó la primera edición de Inmaculada o los placeres de la inocencia, de Juan García Ponce, uno de los miembros más destacados de la llamada Generación del Medio Siglo o Generación de la Casa del Lago.

Para recordar esta obra y esa época de oro, Casa del Lago ha reunido en una mesa de homenaje a diversos autores pertenecientes a distintas generaciones de amigos y lectores de García Ponce.

En primer lugar, a don José de la Colina, quien convivió de cerca con García Ponce en las distintas revistas en las que ambos participaron de manera destacada.

José Antonio Lugo fue secretario de Juan García Ponce de 1981 a 1985, época de la redacción de la primera versión de Inmaculada o los placeres de la inocencia.

Armando González Torres, Premio Nacional de Poesía Gilberto Owen y Premio Nacional de Ensayo Literario José Revueltas, forma parte de una generación de lectores de García Ponce que abrevó en el ensayo literario del que fue un maestro, una obra polifónica a través de la que dio a conocer en nuestro país autores fundamentales como Musil, Nabokov, Miller y Klossowski.

Paola Velasco es parte de una generación de escritores más joven, y dará sus puntos de vista, como lectora y como mujer, no sólo sobre su obra ensayística, sino sobre una obra narrativa que ha sido a lo largo de los años admirada y confrontada a la vez.

Francisco Santillán acaba de terminar su tesis de licenciatura en Letras Hispánicas, en la Facultad de Filosofía y Letras de nuestra querida Universidad, con una tesis sobre la novela cuyos 20 años se celebran con este evento.

La Casa del Lago se honra así en brindar un homenaje a uno de los escritores que le dieron a este recinto un esplendor que recordamos con admiración y nostalgia, presentando a un grupo de amigos y lectores que conforman distintas generaciones, distintas “recepciones” de una obra que hizo de Juan García Ponce, Premio Juan Rulfo de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara y Premio Nacional de Ciencias y Artes, uno de los narradores y ensayistas más importantes de las letras mexicanas en la segunda mitad del siglo XX.

Mapas y escritos: El mapa eléctrico de Bruno Montané

- Regresar al Índice -

El mapa eléctrico de Bruno Montané es un acto escénico donde la poesía, la música y las ambientaciones sonoras despliegan una geografía a la vez real y onírica, “avistamiento de una poética del Big.Bang”. Es también un recorrido por el desierto de Sonora y los callejones de Barcelona y la Ciudad de México. La cartografía poética de Bruno Montané, las canciones de Rafael Catana y el diseño sonoro de Federico Schmucler hacen que la presentación de Mapas y escritos, sea un ejercicio visual y sonoro que refleja pasión, soledad y mundos posibles.

Bruno Montané Krebs (Valparaíso, Chile, 1957). Entre 1974 y 1976 vivió en México. Estuvo presente en los primeros momentos del Infrarrealismo y publicó poesía en las revistas Pájaro de calor, Correspondencia Infra, Calandria de Tolvaneras, La zorra vuelve al gallinero, Zonaeropuerto y en el libro Muchachos desnudos bajo el arcoíris de fuego, antología de poesía latinoamericana preparada por Mario Santiago y Roberto Bolaño. Desde 1976 vive en España, donde con Roberto Bolaño fundó las revistas Berthe Trépat y Rimbaud vuelve a casa, que se convirtiera más tarde en mini editorial. Es autor de Hissarlik (Colección Burro 16, Ediciones Le prosa, 1985), Helicón (Edición de autor, 1987) y El maletín de Stevenson/ El cielo de los topos, publicado en México por la UAM y Ediciones El Aduanero en 2002. Bruno es un poeta que toca el saxofón y escribe “Como un perro mojado que no se acaba de sacudir el agua que se ha ganado por caerse a un canal muy hondo y muy oscuro”. Se encuentra antologado también en Algunos poetas en Barcelona, de Xavier Savater (Ediciones la Cloaca, 1978), Entre la lluvia y el arcoíris. Antología de jóvenes poetas chilenos, de Soledad Bianchi, y en Poesía joven. Veinticinco años de un premio literario. Premio Nacional de Poesía Joven de México, 1975-1999, de Eduardo Langagne y Juan Domingo Argüelles.

Rafael Catana (México, 1956). Uno de los fundadores del movimiento de músicos rupestres, junto con Rockdrigo González, Nina Galindo, Armando Rosas, Carlos Arellano, Fausto Arellín, entre otros. Poeta y compositor que desde la ventana del tren mira el país y escribe canciones con la mira del hombre solitario. Rafael Catana tiene en su haber tres grabaciones de larga duración: Polvo de ángel, El Nagual y La rabia de los locos.

Federico Shmucler (México, 1970). Compositor cinematográfico, director de escena, y diseñador sonoro para Bias y Cortes. Ha sido nominado al Ariel por su cortometraje "RealityShow". Egresado de la Escuela Nacional de Musica y del CCC.

Ximbo

- Regresar al Índice -

Ximbo es una de las mujeres del hip hop más respetadas del país. Comenzó su carrera en 1996, con el primer grupo femenino de hip hop del D.F. y desde entonces ha seguido su carrera de manera independiente.

Aparte de ser una MC reconocida por su trabajo en vivo y estudio, también lo ha sido como beat maker, poniendo instrumentales para varios de los representantes nacionales de hip hop, empezando por su grupo Magisterio (Ximbo & Van-T), cuyo primer disco Cuadrivium Era Deuda (Hipnozys/Rap Serio 2007) le bastó para colocarse entre los clásicos del underground.

En el ámbito internacional ha compartido escenario con numerosos artistas del hip hop, world music y música electrónica como Arianna Puello, Ikah, DJ Atodocolor, SFDK, Zenit, Los Rumbers, Juaninacka, DJ Makei y Frank T de España; Kinto Sol, Delinquent Habits, The Mexakinz, Slowrider, Los Nativos, el legendario Guru y Danny Hoch de Estados Unidos, Doble Filo de Cuba, 79 y Tek-1 de Puerto Rico, Boteko Electro de Brasil, etc. Ha traspasado fronteras recorriendo Washington, Miami, Nueva York y Oakland. Fue juez en la primer “Red Bull Batalla Internacional de los Gallos", y en sus subsecuentes ediciones nacionales.

Además de su trabajo dentro de la escena hip hop, durante 4 años Ximbo fue conductora del programa de TV UNAM Vías Alternas, en cual brindó espacio a las escenas culturales alternativas del país. También ha trabajado para diversos proyectos culturales como documentales, música ambiental y audio-guías para museos y diseño sonoro para cápsulas de televisión y cortometrajes.

Actualmente trabaja en la producción de Tinta, su primer disco en solitario, que planea lanzar en este 2009, y forma parte del colectivo de hip hop femenino Mujeres Trabajando.

Mono Blanco

- Regresar al Índice -


El grupo Mono Blanco es líder internacional del movimiento renovador que vive el son jarocho: la música y la danza tradicionales del sur del estado de Veracruz. Está integrado por un quinteto base, al que se suman miembros surgidos de los talleres que el grupo organiza, por lo que puede presentarse en diferentes formatos. Desde su fundación en 1977, se ha presentado a lo largo de la República Mexicana difundiendo el son jarocho, y ha realizado giras en Asia, Europa, Centroamérica, África, los Estados Unidos de Norteamérica y Canadá.

Paralelamente a su trabajo como intérpretes, participan en actividades relacionadas con el desarrollo y la promoción del son jarocho, entre las que destacan los talleres para la enseñanza del son: ejecución, versada, danza, canto y fabricación de instrumentos musicales jarochos conforme a los más puros métodos tradicionales (v. Laudería).

Mono Blanco fue fundado en 1977, por iniciativa de Gilberto Gutiérrez Silva, Juan Pascoe y José Angel Gutiérrez, tres jóvenes motivados por su interés en el son jarocho. Tras haber realizado una serie de grabaciones e investigaciones sobre el son jarocho, hicieron amistad con el legendario Don Arcadio Hidalgo, quien se une a ellos con sus 87 años de edad. Pronto se incorporó también al grupo Don Andrés Vega, otro excelente jaranero rural.

Por espacio de cuatro años, auspiciado por la SEP, realizó un gran número de presentaciones, grabó dos discos, participó en varios programas de televisión y comenzó a trabajar en las comunidades veracruzanas con la intención de revitalizar la tradición dancística de su tierra.

En 1984 muere Don Arcadio Hidalgo, no obstante, el grupo continuó trabajando con dos nuevos integrantes: el legendario arpista tlacotalpeño Andrés Alfonso Vergara y José Tereso Vega, hijo de don Andrés Vega.

Resultaría interminable mencionar los festivales y encuentro en los que se han presentado, pero cabe destacar que han compartido escenario incluso con Manú Chao, han grabado para la BBC, se ha presentado con éxito en Marruecos, Corea, Nueva Dheli, etcétera, etcétera…

Integrantes

Gilberto Gutiérrez: Es director del grupo y uno de sus fundadores. Ejecuta con virtuosismo la jarana y compone sones jarochos desde 1979. Ha recibido diferentes becas, entre las que destacan la Rockefeller-Bancomer-CNCA y la National Endowment for the Arts (E.U.). Gracias a la última desarrolló el Fandango Project en el área de la bahía de San Francisco, California, donde residió de 1993 a 1995. En 1996, la Ford Foundation y el Guadalupe Cultural Center le otorgaron una beca para realizar una residencia en San Antonio, Texas, dentro del Proyecto Gateway; ahí trabajó con un equipo de cuatro artistas que crearon la obra teatral De Jarocha a Pocha - La Doloritas. Participó como asesor y ejecutante en el disco Papa´s Dream, del grupo chicano Los Lobos y Lalo Guerrero, que fue nominado para un Grammy.

Andrés Vega Delfín: A sus casi 70 años, es uno de los más reconocidos ejecutantes de la guitarra de son (requinto). Forma parte del Grupo Mono Blanco desde 1981.

Octavio Vega Hernández: Hijo de Don Andrés Vega, aparte de tocar magistralmente el requinto y la jarana, se ha abocado a la ejecución del arpa, y es considerado uno de los mejores soneros de la región jarocha.

Gisela Farías Luna: Su participación es indispensable en el zapateado, pero su aportación vocal es resulta fundamental para el grupo.

Juan Campechano, nuevo integrante del grupo, intérprete de la leona (bajo). Pertenece a una de las familias de mayor arraigo en la tradición del son jarocho.

Mono Blanco y La Cofradía de San Antonio:

En las dos últimas producciones discográficas, Mono Blanco ha contado con la colaboración del grupo La Cofradía de San Antonio, que congrega músicos migrantes caribeños radicados en los Estados Unidos: Joseph Stedman “Ras” con el tradicional Steel Drum de Trinidad y Tobago, Jai Elvis López, con el cajón de tapeo, y Jorge Pomar, en el bajo.